lunes, 31 de agosto de 2015

SIOUXSIE AND THE BANSHEES - JU JU (1981)


El 6 de Junio de 1981 fue publicado el mejor album de Siouxsie And The Banshees: 'Ju Ju', disco fundamental para entender una época de grandes cambios, de innovación y vanguardia, de independencia creativa, y por supuesto, de talento y genialidad.

"Siempre pienso que deberíamos haber escrito mejores temas, haber tocado mejor... pero este posee algo especial, no se cómo definirlo. No supone, según yo lo veo, una ruptura de nuestro estilo, sino más bien, una recapitulación de todo lo que hemos ido haciendo hasta ahora" - Steve Severin

En Octubre de 1980, Siouxsie And The Banshees inicia su primer tour por los Estados Unidos y un mes después, deja atónitos a todos con el lanzamiento de un nuevo single: 'Israel', editado en Reino Unido, Alemania e Italia. Con esta nueva canción llegaron a la lista general Británica hasta la posición # 41 el 6 de Diciembre de 1980 y se mantuvo rankeado por dos meses. De hecho se convirtió en el nuevo himno de los Banshees. 'Israel' no fue incluida en el siguiente album Ju Ju, aunque en los Estados Unidos se obsequió el 7" single como parte de una primera edición especial limitada del album Ju Ju. Sin duda, una edición valiosísima para cualquier fan de Siouxsie, tanto como la del 12" UK original.

"Es un sentimiento general: en la forma de tocar, en la misma naturaleza del grupo, que está en su mejor momento, en las composiciones..." - Siouxsie Sioux

El 22 de Mayo de 1981 llega a las tiendas 'Spellbound', single de adelanto del album Ju Ju con el cual llegan al top 30 del chart Británico (# 22). 'Spellbound' también fue producido por Nigel Gray y la banda. Nigel Gray colaboró con los Banshees en la producción del album Kaleidoscope (1980) y también lo haría en Ju Ju.

Ju Ju, el cuarto album de Siouxsie & The Banshees, es a decir de muchos fans (me incluyo), el mejor de todos. Ju Ju es también parte de la famosa y gloriosa trilogía de la banda: Kaleidoscope (1980), Ju Ju (1981) y A Kiss In The Dreamhouse (1982), trilogía que, como sabemos, fue grabada con la mejor formación de los Banshees que incluía al guitarrista John McGeoch. Ju Ju fue grabado entre Marzo y Abril de 1981 en los Surrey Sound Studios, propiedad de Nigel Gray, el famoso productor de The Police. Este cuarto album de los Banshees fue publicado el 6 de Junio de 1981 y alcanzó la posición # 7 del chart Británico. Ju Ju fue el segundo album mejor rankeado de la banda, tan sólo superado por Kaleidoscope (# 5). Ciertamente fue el disco con mayor permanencia en la lista general Británica. Más de cuatro meses, nada menos.

"Musicalmente, Ju Ju está muy conectado con los precedentes, The Scream, Join Hands y Kaleidoscope. Lo que si creo que ocurre, es que desde Kaleidoscope, estábamos tan satisfechos del sonido que habíamos alcanzado en el grupo, que propusimos: vamos a pararnos aquí, vamos a profundizar en este punto, en vez de seguir intentando abarcar más y más..." - Steve Severin

"Pienso que en Ju Ju hemos logrado plasmar la resolución de nuestro planteamiento, aunque nuestra intención es seguir investigando en esta vía, ver hasta donde somos capaces de llegar en este proceso" - Siouxsie Sioux

Ju Ju fue producto del proceso de profundización estilística en el sonido de los Banshees. McGeoch sobresale notoriamente en este album, aún más que en Kaleidoscope. La delirante 'Spellbound', canción que abre el Ju Ju con su riff en cabalgata, sería muy influencial/ inspiradora para otros guitarristas como Johnny Marr, el ex-The Smiths, y Jonny Greenwood de Radiohead. 'Into The Light' es otro momento brillante de Ju Ju con el toque característico de McGeoch moviéndose en terrenos Góticos y hasta Psicodélicos. La siguiente, 'Arabian Knights' hechiza por su belleza. Fue elegida como segundo single del album. Llegó al # 32 del chart en Agosto. En canciones como 'Arabian Knights' se puede percibir una enorme evolución en el sonido de los Banshees. 'Halloween' es adrenalina pura y 'Monitor', la canción que cierra la primera parte del album, un éxtasis total, dando uso de cuerdas con flanger, falsos finales y guitarrazos que se vuelven obsesivos. En 'Night Shift' vuelve la calma y todo se torna oscuro, desolado y siniestro. De lo mejor del disco. 'Sin In My Heart' con su ritmo ascendente -a lo 'Shadowplay' de Joy Division- y con ese duelo de guitarras entre Siouxsie y sus toques minimales, y McGeoch sosteniendo notas y creando la sensación de sintetizadores, hacen de esta pieza uno de los momentos más brillantes del album. Usan el caos sonoro de un modo sorprendente. Por último, los Banshees cierran Ju Ju con la ritualista 'Voodoo Dolly', un tema de ritmo frenético y tribal, con Siouxsie Sioux cantando dramáticamente, conduciéndonos poco a poco hacia un final que se va tornando cada vez más veloz e intenso para llegar al clímax del disco. La escucha de este Ju Ju es fundamental para entender una época de grandes cambios, de innovación y vanguardia, de independencia creativa, y por supuesto, de talento y genialidad.

DEATH IN JUNE - THE GUILTY HAVE NO PRIDE (1983)


Mi primer encuentro con esta banda, fue a fines de los años 80... Especialmente entre 1986-89 me interesé por grupos relacionados con el Dark-Gothic Rock y escuchaba discografías completas, como muchos, adquiriendo discos, grabando cassettes e intercambiando. Lo primero que supe de esta banda fue por un polo estampado con un símbolo que atrajo mi atención. Afortunadamente, poco después conocí a un buen amigo, Gustavo Grimaldo, quien me compartió la totalidad de la discografía, albums, singles, ediciones especiales, etc. Una gran banda y por cierto, muy controversial.

Entre 1977 y 1980, los dos miembros fundadores de Death In June formaron parte del quinteto Crisis, una banda de sonido enérgico y oscuro influenciado por la escena de finales de los años 70. Crisis grabaron un Mini-LP y un 7” single además de sesiones para John Peel. Tras la disolución del proyecto, dos de sus integrantes dieron vida a Death In June. Douglas Pearce (guitarra rítmica y vocales en Crisis/ líder, vocales, guitarra, batería y teclados en el futuro) y Tony Wakeford (bajo, vocales) pusieron en funcionamiento al grupo con Patrick Leagas (vocales, batería, caja de ritmos, teclados, trompeta).

El primer lanzamiento oficial de Death In June se produjo en 1981 con el 12” single 'Heaven Street', la emblemática y oscura pieza de cuerdas con eco y voces en reversa. El lado b encerraba dos piezas fundamentales. La primera de ellas 'We Drive East', era regida por los tambores marciales, bajo atmosférico y trompeta (ingeniosa combinación), en la otra, 'In The Night Time', el bajo era notoriamente marcado por la influencia de los Joy Division. De hecho muchas bandas que aparecieron entre 1980-81 estuvieron fuertemente influenciadas por Ian Curtis, aunque en el caso Death In June, esta influencia se notaría en los primeros años, evolucionando luego hacia un sonido más auténtico, más acústico -folk apocalíptico- y con identidad propia, dando vida a un estilo que conglomeró alrededor de ellos a otros músicos igualmente con sed de experimentación y riesgo.

En 1982 apareció un segundo 7” single, 'State Laughter', tema igualmente conducido por un golpe marcial sostenido como el de una banda militar, sobre el cual, una vez más, el bajo creaba la atmósfera apropiada junto a la distintiva y cruda trompeta de Patrick Leagas. En 'Holy Water', el lado b, reaparecía la sombra de Ian Curtis.

El album debut The Guilty Have No Pride (1983) consolidó la propuesta de Death In June como de las más innovadoras de la primera escena Gótica, aunque Death In June iba mucho más allá de los rostros pintados y los tonos bajos. 'Till The Living Flesh Is Burned' fue otra de las canciones regidas por un obsesivo golpe marcial en los tambores y voces cargadas de eco. En 'All Alone In Her Nirvana' por ejemplo, el elemento nuevo resultaba ser el peculiar loop de voces que servían como fondo durante toda la pieza, usando la voz humana como un instrumento más. 'Nothing Changes' es otra de las que especialmente destaca en el album, un album con algunos arreglos que tal vez en la actualidad podrían sonar algo simples, pero en la época rompían esquema. En el caso de 'Nothing Changes' usaron como elemento decorativo las vibraciones de los platillos mientras que en las voces jugaban con el eco. The Guilty Have No Pride también incluía una nueva versión de 'Heaven Street' con guitarra acústica, efectos adicionales y con la característica trompeta, esta vez algo más sumergida en la mezcla. El tema instrumental 'Nation' tiene otro efecto simple pero novedoso (era 1983) con el intro musical al revés, como cuando giras un vinilo en sentido contrario, agregándole a ello algo de reverb y campanas.

Todos estos lanzamientos (1981-83) fueron posteriormente recogidos de forma íntegra en el CD The Guilty Have No Past (1990). Sin duda, otro de los buenos discos debut de los 80.

THE HOUSE OF LOVE - THE HOUSE OF LOVE (1988)


El 10 de Junio de 1988 fue publicado uno de los mejores albums debut de todos los tiempos: 'The House Of Love' por THE HOUSE OF LOVE.

Christine fue uno de los mejores pedazos de Pop editado durante 1988 y The House Of Love los responsables de la pequeña gesta. Típico grupo Británico amamantado en las filas de la independencia: Creation Records nada menos.

Banda procedente de Camberwell, un suburbio del sur de Londres, entre Brixton y New Cross, liderados por Guy Chadwick, voz, guitarra y compositor, influenciado por Nick Drake, Alex Chilton y Tim Buckley. Música emotiva y sensorial con el genio de Terry Bickers en guitarra, Pete Evans en batería y Chris Groothuizen en bajo, artesanos de Pop delicado que esconde sinuosas simas de angustia y tormento. Intimidades ruidosas, pesadillas en clave eléctrico-acústicas.

Alan McGee, el revivalista inteligente que fundó Creation Records, los descubre. Debutan con el single Shine On (Mayo 1987), casi inmediatamente después Real Animal... se corre la voz. Las ondas multiplican el eco. Abril 1988, la materia prima se remueve, nace la seductora Christine (número 1 indiscutible en las listas independientes) y también nacen las odiosas comparaciones Británicas con The Jesus And Mary Chain. Christine los convierte en la nueva sensación Británica, con su Pop sedoso en comunión con los hirientes guitarrazos de Bickers. Poco después llegó el debut en album, The House Of Love (Junio 10 de 1988) confirmando su calidad. Destroy The Heart fue el single de la despedida (Agosto 1988) antes de su traspaso a Fontana, en donde la fama rebasó sus fronteras con los singles I Don’t Know Why I Love You, Beatles And The Stones y la remodelada versión de Shine On, todos incluidos en el segundo disco largo sin título de 1990, el de la mariposa, un disco mucho menos nocivo que el primero. De hecho Terry Bickers abandonaría la banda a fines de 1989 para formar Levitation, siempre en la búsqueda de explorar en nuevos sonidos. El resto de The House Of Love soñaría con la fama y el reconocimiento masivo. Años después Guy Chadwick reconocería que su traspaso a Fontana fue el peor error en la carrera de la banda.

El album debut fue grabado en poco más de una semana y fue muy bien recibido por crítica y público, aparecieron en portadas de New Musical Express y Melody Maker en la misma semana, todo un acontecimiento. El disco fue producido por los propios House Of Love e incluía una buena colección de canciones Noise-Pop de enorme influencia en buena parte de la música independiente que se facturó en la siguiente década como Salome, Hope con sus guiños a Ian McCulloch, Road con el sonido característico de Bickers en guitarra, Fisherman's Tale con sus reminiscencias a los hermanos Reid del Darklands, esa joyita llamada Happy con esa guitarra que se va hacienda cada vez más agresiva, contrastando con su inocente melodía, y por ultimo, la etérea Love In A Car entre otras. Disco imprescindible, de aquellos que se valorizan por su calidad con los años.

JOY DIVISION - UNKNOWN PLEASURES (1979)


El 15 de Junio de 1979 fue publicado por Factory Records el mítico album debut de JOY DIVISION: 'Unknown Pleasures'.

Joy Division sólo necesitaron cuatro días y medio para registrar los temas de su album debut en los Strawberry Studios de Stockport. Martin Hannett se encargó de la producción.

"Grabamos el disco en directo. La música estaba alta y pesada, y nos parecía que Martin la había suavizado, especialmente las guitarras. La producción impuso esta oscuridad sobre el disco: hicimos un cuadro en blanco y negro, y Martin lo coloreó por nosotros. Nos disgustó, pero a Rob -Rob Gretton, su manager- le encantó, a Wilson -Tony Wilson, propietario de Factory- le encantó, a la prensa le encantó y al público: ¡éramos sólo los pobres estúpidos músicos que escribieron eso! Nos tragamos nuestro orgullo y lo aceptamos" - Bernard Sumner

El album obtuvo críticas alentadoras de la prensa especializada. Fueron diez mil copias las que se editaron de Unknown Pleasures en un primer tiraje a un costo de 8,500 libras pagadas por Tony Wilson quien invirtió hasta su último centavo. De hecho, hasta que no se vendieron las diez mil copias de la primera edición, Factory no pudo afrontar un nuevo tiraje para satisfacer la demanda de discos en las tiendas. Tres años después de su edición, Unknown Pleasures había vendido 100 mil copias.

Al margen de las ventas, el debut de Joy Division mostraba mensajes inspirados en las obras literarias de Nietzsche, Aleister Crowley, Kafka y Sartre entre otros, así como en vivencias del entorno urbano. Música dolorosa, corrosiva, brutal, marcada por el drama emocional y la oscuridad existencial, reflejo del espíritu depresivo y autodestructivo de Curtis, exagerado y obsesivo en sus letras.

"Ian Tomó una dirección. Quería hacer música extrema: deseaba comportarse de un modo totalmente extremo sobre el escenario, sin medias tintas. La influencia de Ian parecía ser la locura y la demencia. Decía que un miembro de su familia había trabajado en una institución mental y que solía contarle cosas sobre la gente que había allí: personas con veinte pezones o dos cabezas, y esto le impresionó mucho" - Bernard Sumner

Unknown Pleasures irradia aún hoy destellos de energía a raudales, como en la energética 'Disorder' que abre el disco magistralmente, seguida por la desgarradora 'Day Of The Lords' y la hipnótica 'Insight' con sus ráfagas de electrónica a cargo de Bernard Sumner desde los sintetizadores, y el bajo monocorde de Peter Hook acompañando la quejumbrosa voz de Ian Curtis -grabada por Hannett desde un teléfono- la cual refleja la angustia e inseguridad que ya empezaba a apoderarse de él. La delirante 'New Dawn Fades' cierra la primera parte de Unknown Pleasures. La técnica de producción de Hannett en todo el disco, es notable. Brillante. Hannett incluye sonidos amplificados y procesados a partir de roturas de botellas y crujidos. También efectos de reversa, delay y rebote en las guitarras y hasta en la voz de Ian, como en la canción 'She's Lost Control' que abre la segunda parte del disco y que fue inspirada en una chica que tuvo un ataque de epilepsia. Ian quedó impresionado pues padecía de la misma enfermedad que él, y cuando fue a visitarla, se dio con la noticia que aquella chica se había suicidado. Esta trágica canción posee además un gran riff. 'Shadowplay' en tanto, tiene una introducción tremendista de ritmo ascendente y magníficas cuerdas, de lo mejor del album con su ambiente tétrico y efectos relampagueante. Otras buenas canciones son 'Wilderness' con sus guitarras afiladas, la furiosa 'Interzone' a dos voces y cerrando el disco, la siniestra 'I Remember Nothing'. Sin duda, una obra maestra de principio a fin.

A pesar de su condición de innovadores y del culto que arrastraban en sus shows, la crítica especializada fue dura con Joy Division, tildándolos de depresivos, confusos, oscuros, ambiguos y obsesivos, calificativos que poco más tarde serían tomados como elogios. Las estaciones radiales no tomaban interés en sus producciones. Solo un DJ transmitía su música: el imbatible John Peel, toda una leyenda dentro del ambiente under Británico. Todo esto le importaba muy poco a Curtis, quien mostraba repulsión por la industria y los medios de difusión. No concedía entrevistas ni fotos, los datos en las fundas de los discos eran casi nulos, los diseños de sus portadas, ciertamente, serían fuente de inspiración para discográficas independientes en los años 80: no rostros, no letras. Otra de las particularidades de Joy Division fue la de lanzar en singles canciones no incluidas en los albums, práctica común y posterior en muchos grupos. Se trató de una banda realmente revolucionaria, tanto en música como en actitud, debido fundamentalmente a la personalidad de su líder, Ian Curtis. Este album debut sirvió de punto de partida para muchas ideas que otros músicos desarrollarían en cuestión de meses. De hecho la influencia de esta banda marca toda la década de los 80 y como sabemos, llega hasta nuestros días.

DURAN DURAN - DURAN DURAN (1981)


El primer album de Duran Duran, producido por Colin Thurston, apareció en plena fiebre New Romantic y se convirtió en un clásico instantáneo. En Estados Unidos fue editado posteriormente, en 1983, luego de conseguir el éxito con el segundo album Rio. El album debut incluye canciones como 'Planet Earth', 'Girls On Film' y 'Careless Memories' entre las más conocidas (rankeadas), además 'Anyone Out There', 'Friends Of Mine', 'Sound Of Thunder' y '(Waiting For The) Night Boat'. 'To The Shore' fue excluida en algunas ediciones y sustituida por 'Is There Something I Should Know?'. El disco tuvo muy buenas críticas y la banda se hizo muy popular a nivel Europeo durante 1981 / 1982. USA esperaría hasta 1983. La MTV y la constante rotación de sus videos jugaron un papel importante. Encabezaron la segunda British Invasion de la historia de la música. Este es otro de los valiosos discos debut de la New Wave de los años 80, un disco sin los excesos comerciales de los posteriores albums (del tercero en adelante) y con una sobresaliente producción acorde a la época y al re-cambio generacional, proponiendo nuevos sonidos para un nuevo público.

THE SMITHS - THE QUEEN IS DEAD (1986)


Tercer album de The Smiths, considerada la obra maestra de esta entrañable banda de Manchester. The Queen Is Dead fue producido por Johnny Marr y Morrissey con la colaboración de Stephen Street como ingeniero de sonido. Este tercer album publicado el 16 de Junio de 1986 alcanzó la posición # 2 del chart Inglés rankeando 22 semanas consecutivas en listas.

Por entonces la relación entre Rough Trade y The Smiths empezaba a deteriorarse, en tanto las propuestas de los grandes sellos asomaban. Firmaron para EMI pero Rough Trade les inició una demanda, debido a eso, la publicación del album se retrasó varios meses. Ese no fue el único problema por el que atravesó la banda. El bajista Andy Rourke fue despedido debido a problemas de adicción a la heroína. En su reemplazo ingresó Craig Gannon. Muy poco después Rourke fue re-incorporado en la formación y Gannon pasó del bajo a la segunda guitarra. Las presentaciones promocionales del The Queen Is Dead por Reino Unido y Estados Unidos se hicieron con The Smiths como quinteto.

The Queen Is Dead es la comunión perfecta entre la música de Marr y la poesía de Morrissey. Un disco provocador, lleno de matices tanto musicales como líricos... la política, los sentimientos, las pasiones humanas, el amor, la soledad, el romanticismo y el machismo son expuestos en las diez canciones del disco.

'The Queen Is Dead', la canción que abre el album, lanza una mordaz crítica a la Reina Isabel y a sus descendientes. Más de seis minutos de puro Rock 'n Roll con un desenfrenado ritmo de tambores y un fantasmal acople controlado de guitarra durante toda la canción. Sin duda, inmejorable forma de abrir un disco histórico. 'Frankly Mr. Shankly' es una mirada ácida a la industria y el show business, algo así como un reclamo a Geoff Travis (propietario de Rough Trade), una canción insultante con una melodía muy alegre, sospechosamente alegre. Una burla. Sentimientos como la melancolía, la desesperanza y el dolor son encarnados en uno de los mejores momentos del album, de hecho 'I Know It's Over' sigue siendo una de sus mejores canciones. 'Cemetry Gates' es como una mañana soleada que nos recuerda al The Kinks de los años 60 con referencias a la propia vida de Morrissey y su predilección por la obra de Oscar Wilde. En la famosisima 'Bigmouth Strikes Again', Moz ríe de sí mismo. Esta contagiante melodía con una notable base rítmica fue elegida como single de adelanto del album (# 26 en UK). 'The Boy With The Thorn In His Side' (# 23 en UK) es otra deliciosa composición, la favorita de Morrissey y esta vez con el talento de Marr en su máxima expresión. 'There Is A Light That Never Goes Out' es el himno del disco, un himno dramático que no fue single en su momento, una de esas canciones que inspiró a muchos músicos con una historia de amor adolescente fantaseando con el tema de la muerte para convertirlo en algo romántico. 'Some Girls Are Bigger Than Others' cierra este magnífico disco con su humor negro y su extraño efecto como intro que parece un error de grabación, con un bajón abrupto en el volumen, pero que intenta imitar el efecto del volumen en la música cuando una puerta se cierra. The Queen Is Dead lleva una portada diseñada por el propio Morrissey en donde aparece una imagen de Alain Delon tomada de la película L'Insoumis (Alain Cavalier, 1964). Disco imprescindible.

PREFAB SPROUT - STEVE McQUEEN (1985)


A mediados de la década de los 80s se hicieron notar un buen grupo de bandas que fusionaron sofisticadamente y en algunos casos con cierta elegancia, varios estilos como el Jazz y el Soul con el Pop y la New Wave. Algunos llamaron a este nuevo sonido Lite-Jazz y otros, Sofistypop. Nombres como Everything But The Girl, Aztec Camera, Deacon Blue, Working Week, The Style Council, The Blue Nile, Sade, The Blow Monkeys y Level 42 entre otros, representaron ese nuevo sonido, algo arty en algunas ocasiones y demasiado mainstream en otras. Prefab Sprout fueron asociados por entonces con este tipo de bandas y con ese 'nuevo' estilo, aunque lo que hacían ellos, no era para nada algo nuevo.

Steve McQueen publicado el 22 de Junio de 1985, fue el segundo album de Prefab Sprout. En USA apareció con el nombre Two Wheels Good. Cambiaron el título del album debido a una posible demanda que le entablarían los herederos del fallecido actor de Hollywood. Steve McQueen fue la consolidación de Prefab Sprout como banda de culto. El album fue producido por el famoso Thomas Dolby quien resaltó el sonido de los teclados sirviendo de perfecto complemento para la sofisticada propuesta de la banda. El visible líder, vocalista, guitarrista, tecladista y letrista Paddy McAloon fue comparado por la crítica con compositores de la talla de Elvis Costello y Roddy Frame. Steve McQueen incluye canciones como 'Goodbye Lucille #1' (también conocida como 'Johnny Johnny'), 'When Love Breaks Down' y 'Bonny', esta última, una gran canción que no fue lanzada como single del album. También sobresalen 'Appetite', 'Faron Young' y 'Hallelujah'. Los coros y segundas voces de Wendy Smith fueron como cantos de sirena. Pocas veces un integrante de un grupo significó tanto con una participación tan mínima dentro de las canciones. Steve McQueen llegó a la posición # 21 del chart Inglés en Junio de 1985. Una joya algo olvidada de los años 80. Disco atemporal e imprescindible.

X-MAL DEUTSCHLAND - TOCSIN (1984)


El 25 de Junio de 1984 fue publicado 'Tocsin' de X-MAL DEUTSCHLAND, el album de la despedida a su primera casa, 4AD.

Segundo album de este grupo de Hamburgo, Alemania, formado en 1980. X-Mal Deutschland empezó como una banda enteramente femenina bajo la influencia de Siouxsie & The Banshees y Malaria. Lo cierto es que los grupos góticos liderados por chicas que afloraron en adelante, tuvieron inevitablemente como punto de referencia a esta banda, reconocida como toda una escuela de la subcultura Gótica.

X-Mal Deutschland se hicieron conocidas teloneando a Cocteau Twins durante la gira del Garlands en 1982. Fue así como lograron conseguir un contrato de grabación con 4AD, sello en el cual editaron sus mejores trabajos, alcanzando los primeros lugares de las listas independientes Británicas, aún cuando sus temas eran cantados en Alemán. Este segundo album Tocsin, fue grabado en los estudios Livingston de Londres bajo la producción de Mick Glossop, y publicado el 25 de Junio de 1984. Incluye clásicos de culto como 'Mondlicht', 'Augen•Blick', 'Begrab Mein Herz' y 'Eiland' entre otros, todos, con el sello distintivo de la banda, con Manuela Rickers en guitarra y su inigualable líder, Anja Huwe. Disco imprescindible.

CLAN OF XYMOX - CLAN OF XYMOX (1985)


Clan Of Xymox fue fundado en Nijmegen, Holanda, en 1983 por Ronny Moorings (voz, guitarra, sintetizador) y Anke Wolbert (bajo, sintetizador, voz). Instalados en la ciudad de Amsterdam, grabaron en un porta-estudio casero de 4 pistas el material que conformaría su primer disco, el Mini-LP Subsequent Pleasures aparecido en Holanda en 1983 en un limitado tiraje de apenas 500 copias. En este debut algo apresurado se incluía la agónica y primeriza versión de 'Muscoviet Musquito', además de 'Strange 9 To 9'. En total, Subsequent Pleasures reunía cinco experimentos de electrónica oscura sobre una base rítmica secuenciada, contagiante y ágil, evidentemente inspirada por el mítico sonido 4AD.


Con el ingreso de Pieter Nooten (teclados, voz), Clan Of Xymox adquirió mayor relevancia técnica, enriqueciendo sustancialmente su estilo. Con el nuevo guía de mayor experiencia, graban en ocho canales un segundo demo en Julio de 1984. Se trataba de versiones aún sin pulir de seis de los temas que conformarían poco más tarde el album debut para 4AD, entre ellos el himno 'A Day (Where Are You)', la hermosa 'No Words', la tenebrosa 'Stranger' y la atmosférica 'Equal Ways'. El disco debut oficial 'Clan Of Xymox' fue publicado el 1 de Julio de 1985 bajo la supervisión del propio Ivo Watts-Russell, propietario de la casa 4AD, quien además se encargaría de remixar notablemente 'A Day' para su empaque en formato 12" single. El album también incluye 'Stumble And Fall' y '7th Time'. Todo el album es una genialidad de principio a fin con sus marcados beats electrónicos, magníficas atmósferas oscuras y la voz de Moorings sonando como malhumorada. Las comparaciones en la prensa musical Británica de la época no se hicieron esperar, emparentándolos con el sonido del Seventeen Seconds / Faith de The Cure y con el de New Order pre-Blue Monday. Lo cierto es que este disco debut de Clan Of Xymox es considerado uno de las puntos máximos del Darkwave y uno de los mejores discos debut del sello 4AD.

Ronny Moorings: "Los años 80 fue una época muy lúgubre pero también tremendamente creativa. Experimentamos con tecnología. Por ejemplo, yo desarmaba caseteras y creaba circuitos a mi antojo. Usábamos secuenciadores. Buscábamos instrumentos raros... Tuve la suerte de conocer a Brendan Perry y Lisa Gerrard de Dead Can Dance y ellos me pusieron en contacto con Ivo Watts-Russell de 4AD. Fui a verlo a Inglaterra. Estuve dos días con él. Le mostré mi música y le gustó mucho".

'TIL TUESDAY - WELCOME HOME (1986)


El 1 de Julio de 1986 fue publicado el mejor album de 'TIL TUESDAY': 'Welcome Home'.

Apenas unos meses antes de la edición de su segundo album 'Welcome Home', 'Til Tuesday ganaba un premio a mejor nuevo artista en el MTV Video Music Award por el video de 'Voices Carry'. Muchos conocimos a esta banda por ese video y probablemente por su presentación en vivo la noche de la entrega de los premios.

El segundo album de esta banda de Boston, Massachussetts, con la incomparable voz de Aimee Mann, fue producido por Rhett Davies. Sonó mucho en Doble Nueve. Al menos cuatro canciones fueron rotadas. Welcome Home Incluye 'What About Love', 'Coming Up Close', 'On Sunday' y 'David Denies', entre otras. Luego de un tercer album, lamentablemente 'Til Tuesday se desbandaron. Poco después en 1992, Aimee Mann inició una brillante carrera en solitario que llega hasta el presente.

BJÖRK - DEBUT (1993)


El 5 de Julio de 1993 fue publicado el disco debut de BJÖRK llamado simplemente: 'Debut'.

De hecho al escuchar por primera vez Sugarcubes, me gustaron de inmediato. Especialmente el primer album y los singles iniciales. 'Debut' fue toda una sorpresa. Un disco lleno de flautas, arpas, pianos y arreglos de cuerdas. Elementos de House, Trip Hop, Jazz, divertido Pop y Techno que marcaron una gran distancia con su ex-banda Sugarcubes. Se trataba de un trabajo más elaborado, directo e intimista, sin complicaciones. Inevitable pegarse por aquella época con este genial album compuesto y producido con buen gusto. Incluye algunos de sus clásicos más celebrados como 'Human Behaviour', 'Violently Happy', 'Venus As A Boy', 'One Day', 'Come To Me' y por supuesto, la mega-conocida 'Big Time Sensuality', entre otras. Como para llegar a las masas ofreciendo calidad. La independiente One Little Indian esperaba vender cerca de 20,000 ejemplares. Terminó alcanzando los 3 millones en todo el mundo. Llegó al # 3 en el UK Albums Chart y fue aclamado por New Musical Express eligiéndolo como disco del año. Un gran album de una de las voces femeninas más notables de los recordados años 90. Imprescindible. Aunque 'Debut' es considerado por muchos como el primer album de Björk, en 1977, cuando niña, editó como Björk Guðmundsdóttir un disco en Islandés sin título, y en 1990 (cuando aún formaba parte de The Sugarcubes) 'Gling-Gló', acreditado como Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar.

ECHO & THE BUNNYMEN - ECHO & THE BUNNYMEN (1987)


'Echo & The Bunnymen' fue el album de los Bunnymen que obtuvo mayor éxito en los Estados Unidos. Llegó al casillero # 51. 1987 fue en general un gran año para muchas bandas Británicas y Australianas pues, como sabemos, lograron el reconocimiento en USA. En UK fue # 4. Pese a los buenos resultados, la banda no quedó satisfecha. Ciertamente, tampoco parte de la crítica especializada. Como se suele decir, criticado hasta la saciedad por algunos y alabado igualmente por otros. Este quinto album resulta ser el más Pop y accesible respecto a los cuatro primeros. Valgan verdades, un notable trabajo aunque en mi humilde opinión, sobreproducido. No llega al grado de sensibilidad de los cuatro primeros discos. Las estructuras son más convencionales. Olvidaron los cambios de ritmo repentinos y los 'acelerones' de algunas notables piezas de los primeros años.

El Crocodiles (1980) nos reveló una portada otoñal, el Heaven Up Here (1981) un azul atardecer frente al mar, Porcupine (1983) llegó con portada glacial en un paisaje de rocas y hielo y en Ocean Rain (1984) navegamos con ellos bajo una oscura y accidentada caverna. El album Echo & The Bunnymen (1987) muestra en cambio, una fotografía gris de la banda a cargo de Anton Corbijn. El nombre del disco es otra sugerencia de su objetivo: el reconocimiento de la industria Estadounidense. Ian McCulloch declararía nunca haber estado de acuerdo con el lanzamiento de este album y abandonaría a su banda por unos años para proseguir como solista. Pese a todo, se trata de un clásico con algunas de las mejores canciones de Echo & The Bunnymen. Incluye 'The Game', 'Lost And Found', la popular 'Lips Like Sugar', 'New Direction', 'Bombers Bay' y 'Bedbugs And Ballyhoo' entre otras. En esta última cabe resaltar la participación en los teclados de Ray Manzarek de The Doors. Disco producido por Laurie Latham.

ULTRAVOX - VIENNA (1980)


En Julio de 1980 fue publicada la obra maestra de ULTRAVOX: 'Vienna'.

Cuarto disco de esta banda de Londres, producido por Conny Plank y Ultravox. Vienna fue el primer album con Midge Uge en voz, guitarra y sintetizadores.

Billy Currie (sintetizador, piano, violín, viola) por entonces formaba parte de Visage (proyecto de su ideólogo: Steve Strange). Uno de sus amigos de copas del Blitz y compañero en el grupo Visage, Midge Ure, llenó el vacío dejado por John Foxx -primer líder de Ultravox- convirtiéndose desde el verano Europeo de 1979 en el nuevo líder. El ingreso de Midge Ure fue de gran influencia en la evolución electrónica que tuvo la banda con un sonido igualmente futurista pero aún más refinado y sofisticado, un tanto más Pop ciertamente, equilibrando algunas melodías pegadizas con entramados del estilo romántico Europeo. De este simbólico matrimonio surgió el consagratorio Vienna (1980). Los dos primeros singles extraídos del album tuvieron un éxito discreto, la energética 'Sleepwalk' llegó al # 29 del UK chart en Julio, en tanto 'Passing Strangers' al # 57 en Octubre, pero fue 'Vienna' la canción definitiva que los encumbró en Reino Unido. Con 'Vienna' alcanzaron el # 2 en Enero de 1981, cuatro semanas en esa posición que fue superada únicamente por el single 'Woman' de John Lennon, quien había sido asesinado apenas unas pocas semanas antes. 'Vienna' no sólo fue un hit en UK (canción del año en los Brit Awards) sino que apareció precisamente en plena expansión de la New Romantic, siendo incluso considerado al día de hoy, uno de los himnos más importantes del Romanticismo de aquellos meses. 'Vienna' fue el single de Ultravox de mayor acogida en UK, en tanto el album llegó al # 3 en el mes de su edición (Julio 1980) logrando rankear durante 72 semanas consecutivas. De hecho se trata del album más importante de Ultravox y no sólo comercialmente hablando (que es lo de menos), sino porque redefinió el nuevo Pop Británico ligado a la electrónica. En Junio de 1981 fue publicado un cuarto single, 'All Stood Still' y otro Top 10 en UK (# 8). Pero Vienna tiene aún más, 'New Europeans' y 'Mr. X' por ejemplo. Un gran disco para disfrutar de principio a fin, sin pausa alguna. Imprescindible.

SPACEMEN 3 - SOUND OF CONFUSION (1986)


En Julio de 1986 fue publicado uno de los mejores albums debut de los años 80: 'Sound Of Confusion' por SPACEMEN 3.

Spacemen 3 iniciaron su carrera en un momento clave. Eran épocas en las que la novedad consistía tan sólo en recubrir la melodía con ruido/ distorsión. El argumento de Spacemen 3 en tanto, era el Space Rock y la Psicodelia. Esta banda trascendió a su tiempo y marcó un hito en la historia debido a los nuevos conceptos de retro-alimentación que emplearon.


Formados en 1982 en la localidad de Rugby (centro industrial cercano a Birmingham) por el núcleo compositivo de Pete ‘Sonic Boom’ Kember (guitarra, órgano, voz) y Jason ‘Spacemen’ Pierce (guitarra, órgano, voz), completarían la primera de sus formaciones con Pete ‘Bassman’ Bain (bajo) y Nicholas ‘Natty’ Brooker (percusión) grabando algunos demos.

No es sino hasta el 12 de Julio de 1986 cuando finalmente editan su primer album con el sugerente nombre de Sound Of Confusion, disco producido por ellos mismos y en donde dejaban claro su devoción por el feedback, la distorsión y el fuzztone. Grabado en cinco días bajo el sello Glass de Pat Fish (miembro fundador de The Jazz Butcher), este album debut retorna el Rock Psicodélico a su estado embrionario, un disco lleno de drones, minimalista y brutal, con incesantes repeticiones de un solo riff.

'Losing Touch With My Mind' por ejemplo, proyectaba la vieja Psicodelia desde una óptica auténtica y visionaria, con efectos en las cuerdas creando cierta sensación space y panderetas al estilo Gospel/ Spiritual. La idea en la mesa de mezclas, evidentemente, fue la de enturbiar el sonido de las guitarras y sumergirlo, dejando más alto el volumen de la voz y las panderetas que eran las que predominaban en la estructura. En 'Mary Anne' por ejemplo (cover de Juicy Lucy), las cuerdas fueron recubiertas por una buena dosis de flanger, en 'Hey Man' estuvieron estimulados con el feedback, originando alucinantes masas de sonido. La más lograda de las piezas contenidas en el debut resultó ser 'O.D. Catastrophe'... estallidos de furiosa energía electrificada, agresoramente ruidista, lograda coloración melódica, base minimal, riff machacón y brillantes platillos, los mismos con los que acentuaban los cambios. En 'O.D. Catastrophe' subliminaron el concepto minimalista de bandas como la Velvet Underground y Suicide, el brutismo de los Stooges y los trazos espaciales/ cósmicos de las bandas Psicodélicas Germanas, especialmente CAN. De hecho en Sound Of Confusion, los astronautas rindieron tributo a algunas de sus influencias re-interpretando 'Little Doll', clásica de The Stooges, y 'Rollercoaster', original de los 13th Floor Elevators. Gran debut. Disco histórico y sumamente influencial.

TALK TALK - THE PARTY'S OVER (1982)


Disco debut de esta banda de Londres formada en 1981 por Mark Hollis (voz, guitarra), Simon Brenner (teclados), Paul Webb (bajo) y Lee Harris (batería).

A diferencia de muchas bandas, Talk Talk evolucionaron musicalmente disco a disco. Emergieron como parte de la nueva escena de grupos con sintetizador y por ello se les etiquetó como New Wave, Techno e inclusive New Romantic, especialmente por sus dos primeros albums (The Party's Over e It's My Life) pero ya en The Colour Of Spring (1986) se desmarcaron de estas etiquetas proponiendo un sonido más elaborado, con una mejor producción y con la participación de músicos de sesión que enriquecieron su propuesta musical, perdiendo de ese modo su atractivo comercial y apostando por la experimentación en sus dos discos finales, Spirit Of Eden (1988) y Laughing Stock (1991), reconocidos como fuente de influencia para estilos posteriores como el Post-Rock de los años 90.

Mark Hollis, el líder de la banda, había formado parte de The Reaction, grupo en donde Hollis era el vocalista y guitarrista, además de compositor. The Reaction publicó tan sólo un single llamado 'I Can't Resist' en Junio de 1978. Como dato curioso, en 1977, The Reaction participó en el recopilatorio 'Streets' del sello Beggars Banquet con una canción llamada 'Talk Talk Talk Talk' escrita por Mark y por su hermano mayor Ed Hollis, quien además de producir a The Reaction, era productor de otras bandas que participaban en el sampler, entre ellas, The Lurkers, The Members y The Doll, además de manager de Eddie And The Hot Rods. The Reaction no trascendió con su Punk-Rock melódico pero Mark Hollis siguió adelante. Aquella vieja composición de 1977 de The Reaction llamada 'Talk Talk Talk Talk', no sólo le daría nombre a la nueva banda de Mark, sino que además modificaría la canción, acortaría el título a 'Talk Talk', le agregaría sintetizadores y sería uno de sus mayores éxitos con su nueva banda llamada igualmente Talk Talk.

Mark Hollis conoció a los tres miembros de Talk Talk por medio de su hermano Ed. Inicialmente Webb, Harris y Brenner participarían como sesionistas en la grabación de un demo para Island Records, el sello para el cual Mark Hollis grabó como The Reaction. Luego grabarían tres demos con el productor Jimmy Miller ('Talk Talk', 'Mirror Man' y 'Candy') y participarían en una sesión BBC antes de firmar el contrato definitivo con EMI, sello bajo el cual grabaron los tres primeros albums. EMI inclusive les asignaría a Colin Thurston como productor. Thurston había intervenido como ingeniero de sonido en la grabación del album Lust For Life (1977) de Iggy Pop, había co-producido el album Heroes (1977) de David Bowie, y producido el album debut, Reproduction (1979) de The Human League, pero sobre todo era famoso por ser el productor de los dos primeros albums de Duran Duran. Mediante Colin Thurston y su reconocido trabajo como productor, EMI intento moldear el sonido de Talk Talk para que se asocie convenientemente al movimiento New Romantic y de ese modo lograr un resultado como el que se había conseguido con Duran Duran, mismo sello, mismo productor. Además de todo esto, Talk Talk acompañó a Duran Duran en su gira Inglesa de 1982 y como si todo esto fuera poco, las comparaciones de los nombres Duran Duran y Talk Talk no se hicieron esperar en la crítica musical. De alguna forma, en los inicios fueron marcados por estas asociaciones o conexiones, pero musicalmente, la propuesta de ambas bandas fue diferente desde el primer disco. La posterior evolución de Talk Talk dejó atrás cualquier duda.

'Mirror Man', editado en Febrero de 1982, fue el primer single de Talk Talk y pasó desapercibido en las listas, pero el segundo, 'Talk Talk', editado un mes después, llegó a la posición # 52 del chart Inglés en Abril y fue un éxito en países como Francia, Portugal y Canadá. El tercer single editado en Junio, 'Today', fue el primer hit en UK (# 14). El lado B del maxi de Today incluye una de sus más grandes canciones, 'It's So Serious', extraída de una sesión de radio para BBC.

Finalmente el album debut The Party's Over fue publicado el 12 de Julio de 1982 con 'Talk Talk', 'It's So Serious', 'Today', 'Mirror Man', 'Candy', 'Another World' y 'Have You Heard The News?' entre otras. The Party's Over sin duda es una obra impresionista, recargada de sentimientos y sensaciones, repleta de colores con multitud de tonalidades, tal y como la banda lo refleja en sus portadas y videos. Un disco con un sonido muy fresco, espontáneo, elegante y a la vez contagiado por la ingenuidad de la New Wave de aquella época, aunque con la salvedad de letras más cuidadas. The Party's Over escaló hasta la ubicación # 21 del UK Albums Chart. Un gran debut.

Al año siguiente, el tecladista Simon Brenner abandonaría Talk Talk y sería reemplazado por Tim Friese-Greene, productor, multi-instrumentalista y co-compositor que se convertiría en un cuarto miembro no oficial del grupo, contribuyendo en la evolución de la banda.

THE DAMNED - PHANTASMAGORIA (1985)


A The Damned se les recuerda no sólo como una de las primeras bandas Punk-Rock, sino además por la influencia que ejercieron sobre el Horror Punk y el Dark-Gothic Rock. Se les considera los iniciadores de estas manifestaciones contraculturales de fines de los años 70 y primeros 80. Dave Vanian, el vocalista y líder de la banda, lucía por entonces un grotesco maquillaje negro alrededor de los ojos y trajes vampirescos. The Damned también declararon ser admiradores de los films de terror. Especialmente Dave gustaba de las películas de los años '20 -de la época del cine mudo-, de los thrillers de misterio de los años '30 y Drácula, quien lo influyó estéticamente. Dave Vanian llevó en sus shows el depresivo espíritu de un enterrador (trabajaba como sepulturero en un cementerio) y lo lució de forma sobresaliente, diferenciando su imagen respecto al resto de los grupos de la escena. No era extraño que suban un féretro al escenario o luzcan órganos de tubos como instrumentos. Les comentaba todo esto pues Phantasmagoria, sexto album de estudio publicado el 15 de Julio de 1985, es el más Gótico de los discos que grabó esta banda de culto.


Phantasmagoria pertenece a la segunda etapa de The Damned, una etapa caracterizada por el predominio compositivo de Dave Vanian y por su fanatismo por lo siniestro. El album fue producido por la banda con la participación de Jon Kelly y fue el disco de mayor reconocimiento en UK. Ocupó la posición # 11 y estuvo rankeado por más de cuatro meses. Al margen de ventas y popularidad, Phantasmagoria es todo un clásico de los 80s y a mi gusto, uno de los mejores discos de la historia del Rock. Contiene canciones de gran calidad como 'Street Of Dreams' con ese grandioso saxo a cargo de Gary Barnacle. 'Shadow Of Love', lanzada como single en UK (# 25), la genial 'There'll Come A Day' o 'Is It A Dream', otro de los singles estrella del album con un notable video que los llevó al # 34 de UK. 'Grimly Fiendish' (# 21 en UK) fue la canción que más sonó por aquella época. 'The Eighth Day' es otra genialidad del Phantasmagoria o la que cierra el album, el instrumental 'Trojans'.

"Me parece que lo mejor de la vida pasa en la penumbra"
Dave Vanian

ECHO AND THE BUNNYMEN - CROCODILES (1980)


Probablemente muchos de los que vivieron los años 80 al completo, conocieron a esta banda Postpunk de Liverpool gracias al tema 'The Puppet' incluido en el soundtrack del film URGH! A Music War (1981), película que se exhibió en un cine de Pueblo Libre de la época. Apenas un año antes Echo & The Bunnymen debutaban con este album 'Crocodiles', considerado por algunos como una obra maestra.


La historia del grupo se inició cuando Ian McCulloch (voz, guitarra) abandonó a The Crucial Three debido al problema de liderazgo que existía con Julian Cope. En Septiembre de 1978, McCulloch conoció al notable guitarrista Will Sergeant con quien formó una dupla apoyada por una drum machine marca 'Eko' de donde deriva el nombre de la banda. El 11 de Noviembre, Less Pattinson (bajo) se unió al proyecto y cuatro días después debutaron en el legendario club Eric de Liverpool bajo el nombre de Echo & The Bunnymen.

En Marzo de 1979 ficharon para el sello local Zoo Records, bajo el cual apareció el single debut 'Pictures On My Wall' que traía en el reverso 'Read It In Books', una vieja canción de los Crucial Three escrita entre McCulloch y Cope.

A mediados de 1979 conocieron a Pete De Freitas, un experimentado baterista que luego de algunas audiciones terminó por convencer al trío, siendo aceptado como miembro permanente en Septiembre, con lo cual la presencia de la histórica Eko se hizo innecesaria.

En Mayo de 1980 apareció 'Rescue', segundo single, editado por el sello Korova donde permanecerían definitivamente. 'Rescue' (# 62 en UK) les permitió la aceptación en los círculos under. El 18 de Julio fue finalmente publicado 'Crocodiles' bajo la producción de David Balfe (tecladista de los Teardrop Explodes) y Bill Drummond, con el cual se hacen del casillero 17 del chart Británico. El disco estuvo repleto de novedades para la época, como los peculiares acordes de guitarra de Sergeant o las abruptas aceleraciones en la base rítmica. En este primer disco más que en ningún otro, se hace algo evidente la predilección de McCulloch por la música de Jim Morrison y The Doors. Igualmente la guitarra nos recuerda a Television y al Acid Rock sesentero. Las referencias Psicodélicas también son obvias. Este debut incluía clásicos como 'Do It Clean', 'Villiers Terrace', 'Happy Death Men', 'All That Jazz' y 'Crocodiles', además de las caras A de los singles 'Rescue' y 'Pictures On My Wall'. Disco imprescindible.

JOY DIVISION - CLOSER (1980)


Segundo album de Joy Division y el último que lanzarían como banda. Closer fue grabado entre el 18 y 30 de Marzo de 1980 en los Britannia Row Studios de Islington, Londres, bajo la producción de Martin Hannett y la colaboración de John Cafferty como ingeniero de sonido. Closer fue publicado por Factory Records el 18 de Julio de 1980. Exactamente dos meses después del suicidio de Ian Curtis. Llegó al # 6 de la lista general Británica.

“La mayoría de las noches Ian se encerraba a escribir en el cuarto azul, interrumpiendo solamente para beber una taza de café entre las volutas de humo de un Marlboro. No me importaba la situación: Lo encarábamos como un proyecto, algo que debía hacerse… Todo eso culminaba en una obsesión enfermiza, con sufrimiento físico y mental… Pienso que la lectura de sus libros realmente alimentó su tristeza” - Deborah Curtis

Closer es un disco intensamente depresivo, toda una genialidad y punto de partida para muchas obras que luego se gestarían en los años 80. Fue grabado en 13 días y 13 noches. Un disco dramático con un sonido devastador. Los sintetizadores toman mayor protagonismo que en Unknown Pleasures, el disco debut del año anterior. Closer encierra referencias literarias y los mensajes de sus canciones son casi como cartas de suicidio ocultas. Durante el proceso de grabación, Ian Curtis atravesaba por el peor momento de su corta vida, tanto por la epilepsia que lo aquejaba, como por su frágil estado de salud mental / emocional, todo esto sumado a graves problemas familiares y sentimentales. Las letras depresivas de Closer reflejan el estado de ánimo de Ian Curtis, revestidas de poesía y citas literarias con mensajes ocultos.

“El Ian que yo conocí fue diferente, él fue mucho más tierno de como es retratado. La violencia de su manera de bailar, sus letras y la expresión de su cara reflejan su juventud. Él era muy joven y la voz con la que hablaba era mucho más suave y más dulce que la voz con la que cantaba” - Deborah Curtis
Ian Curtis sufrió su primer ataque de epilepsia la noche del 29 de Diciembre de 1978 cuando la banda regresaba de una actuación. "Volvíamos a casa en el coche de Steve, de pronto, Ian comenzó a agitarse violentamente, golpeando el parabrisas. Conducimos a unos 160 kilómetros por hora hasta llegar al hospital más cercano, en algún lugar próximo a Luton. Estábamos en la sala de urgencias y el doctor dijo: "Has sufrido un ataque; lo mejor es que vayas a ver a un médico en cuanto llegues a casa" - Bernard Sumner

A inicios de 1979 los médicos le informaron a Ian Curtis que padecía de epilepsia y tuvo que someterse a un fuerte tratamiento médico a base de tranquilizantes para intentar dominar los efectos de una enfermedad que alteró irremediablemente su conducta y enrareció su carácter. Curtis decidió no ocultar su enfermedad. Sus convulsiones y movimientos sobre el escenario se convirtieron en una marca de identidad de la banda e incluso en un modelo escénico para muchos artistas posteriores.

"Éramos un gran grupo en aquellos tiempos, tan jóvenes y enérgicos; en directo, íbamos a lo que venga. Al mirar el público me decía, Dios mío, parece que se están matando entre ellos. Nunca entenderé de donde demonios sacaban esa energía” – Peter Hook

"Cuando Joy Division nos teloneó en el Marquee en 1979 eran absolutamente brillantes comparados con cualquier otro grupo. Ellos y Wire eran lo más fuerte sobre un escenario. Todavía pienso que 'Love Will Tear Us Apart' es una de las mejores canciones de todos los tiempos" - Robert Smith (The Cure)

El 16 de Octubre de 1979, Joy Division participaron en una fiesta celebrada en el club Plan K de Bruselas, Bélgica. Esa noche, Ian Curtis conoció a Annik Honoré, quien trabajaba como secretaria en la embajada Belga en Londres. Además promovía conciertos en el Plan K. La atracción de ambos fue inmediata. Según se cuenta en las diversas biografías oficiales publicadas, la relación de Ian Curtis con su esposa Deborah Woodruffe -con la que había contraído matrimonio el 23 de Agosto de 1975- ya había comenzado a deteriorarse. La nueva relación de Ian Curtis con Annik Honoré lo llevó a una encrucijada sentimental. Por un lado Ian no quería romper los lazos que lo unían a Deborah pero tampoco deseaba dejar a Annik. Ian Curtis era consciente del daño que ocasionaba su indecisión e inseguridad, pero a la vez se sentía incapaz de remediar las cosas. Al mes siguiente, el 26 de Noviembre de 1979, Joy Division registraría una sesión para John Peel con cuatro temas inéditos, entre ellos 'Love Will Tear Us Apart'.

"Ian fue mi primera historia de amor. Hasta entonces, había vivido para la música, tuve una aventura o dos y luego me encuentro con un ser raro, exquisito, amable, todo lo que amo. Suena estúpido decirlo, pero Ian tenía unos ojos preciosos, una mirada suave, le sentí como una persona que sufre, frágil y amable conmigo... En el escenario él se dejaba llevar como si exorcizara todos sus demonios, era un volcán en erupción. Después del concierto estaba agotado, física y mentalmente. Se convertía en un ser excesivamente dulce y tímido, retraído..." - Annik Honoré

El 23 de Enero de 1980, luego de una corta gira Europea, Curtis regresó a Manchester a su casa de Macclesfield, para reunirse con su esposa Deborah pero la situación era ya insostenible debido a sus dudas sentimentales que lo atormentaban. Curtis sufría de depresión y los fuertes tranquilizantes que tomaba para controlar los efectos de la epilepsia, sumados al alcohol, lo llevaron a una decisión fatal. Esa noche se tomó una botella de Pernod y se cortó las venas. Fue su primer intento fallido de suicidio.

Apenas unas semanas más tarde, Curtis viajó con su banda a Londres para grabar el nuevo album Closer entre el 18 y 30 de Marzo en los Britannia Row Studios de Islington. Ian aprovechó su paso por Londres para estar el mayor tiempo posible junto a Annik Honoré. Fue precisamente en esos días cuando Deborah Curtis descubre las continuas infidelidades de Ian, quien además estaba afectado física y mentalmente por la depresión y las crisis epilépticas. Las sesiones del Closer fueron interrumpidas en varias ocasiones. En los ensayos, Ian solía actuar como director, detectando fraseos y trabajando con Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris para convertirlos en canciones. Cuando terminaban con la música, Ian escarbaba en la bolsa plástica donde guardaba sus notas y comenzaba a ponerle letra a la música.

“Sólo sacaba algunas palabras y comenzaba a cantarlas, era bastante rápido” – Bernard Sumner

El disco tuvo que esperar hasta Julio para finalmente ser editado. Lamentablemente fue demasiado tarde para Ian Curtis.

El 7 de Abril, Curtis ingiere una elevada dosis de una de las medicinas que tomaba para combatir los efectos de la epilepsia, sufriendo una sobredosis. Los rumores sobre un nuevo intento de suicidio no se hicieron esperar. Ese mismo mes Deborah le dio un ultimátum a Ian para que abandone a Annik Honoré. Ian Curtis recibió los documentos del divorcio solicitado por Deborah. La salud de Curtis se había ido deteriorando progresivamente. Incluso había sufrido en esos días otra crisis epiléptica en pleno concierto. Es más, varias de las presentaciones de Joy Division o terminaban antes o eran canceladas directamente. Abril fue un mes fatal para Ian Curtis y su banda. Pese a todo, Joy Division era reconocido por mucho público. Habían ido ganando una gran masa de seguidores. Ya se les consideraba una banda de culto con mucho material de primera aún sin editarse oficialmente. El público esperaba con ansias el lanzamiento del nuevo album y también la grabación oficial de 'Love Will Tear Us Apart', la canción más famosa no grabada oficialmente en aquellos meses en Reino Unido. Apenas circulaban cassettes piratas con algunas tomas de sus conciertos o grabaciones de radio con la versión de la sesión de 'Love Will Tear Us Apart' emitida el 10 de Diciembre del año anterior por Radio 1 de la BBC. El lanzamiento del famoso single también tendría que esperar algunas semanas después del suicidio de Ian Curtis. Sin embargo se filmó un video-clip promocional de 'Love Will Tear Us Apart' el 28 de Abril en los TJ Davidson Rehearsal Studios. Todo se venía preparando estratégicamente como para que Mayo sea el mes definitivo en el que la banda despegaría a la fama. Joy Division atravesaba por su mejor momento, con su single estrella próximo a ser lanzado y un nuevo album terminado, inclusive una primera gira por los Estados Unidos confirmada, y una propuesta del sello Warner Brothers ofreciéndoles un contrato que incluía absoluta libertad artística y un millón de dólares. La última aparición pública de Ian Curtis como vocalista de Joy Division sucede el Viernes 2 de Mayo en el High Hall de la Universidad de Birmingham.

En aquellos días, ya fuera de su hogar, Ian Curtis estuvo quedándose en las casas de Bernard Sumner, Tony Wilson y la de sus padres. La tarde del Sábado 17 de Mayo, 4 días antes de volar a New York para iniciar la primera gira de Joy Division por los Estados Unidos, Ian Curtis decide regresar a la casa que había compartido con Deborah en Barton Street. Mientras la espera llegar del trabajo, Curtis estuvo viendo la que sería su última película, Stroszek de Werner Herzog en la que un músico decide poner fin a su vida luego de un rechazo sentimental. Al llegar Deborah, discuten sobre su divorcio y ella se va a casa de su madre. Ian se quedó solo. Llegada la madrugada del 18, en las primeras horas, mientras escuchaba el disco The Idiot de Iggy Pop, decide escribirle una carta a Deborah: "En este preciso momento desearía estar muerto. Ya no puedo aguantar más". A mediodía del Domingo 18, Deborah regresa a casa y descubre el cuerpo de Ian colgando del techo de la cocina. Los problemas en su matrimonio ocasionados por una relación inmadura, por la infidelidad, por la inseguridad y la depresión extrema, sumada a la epilepsia de la que padecía, a la constante medicación, a las responsabilidades cada vez mayores a afrontar como líder de una banda a puertas del éxito, todo ello pesó tanto que ya no pudo más. Con tan sólo 23 años, Ian había partido dejando a su hija Natalie de trece meses, a Deborah, a su nuevo amor Annik y a su banda Joy Division. Tras la incineración de las cenizas de Ian, el resto de la banda cumplió la promesa que se hicieron dos años antes. Si alguno de los cuatro integrantes dejara la banda por cualquier motivo, el nombre debería cambiar: New Order.

"Sigo pensando que su muerte fue un momento de locura. Yo hablé con él la misma noche -del Sábado 17- y todo el mundo sabía que Ian estaba feliz de ir a los Estados Unidos. Tomaba 20 pastillas al día y mientras lo hacía, lo mezclaba con alcohol. El Sábado 17 de Mayo tuve un concierto de James White en Plan K y Ian me llamó para decirme que me quería ver antes de su partida a los Estados Unidos. Cuando llegué a Londres el Domingo por la mañana, presentí algo. Sus padres me dijeron que Ian había muerto" - Annik Honoré

Irónicamente, el reconocimiento masivo vino después y se reflejó en los charts de ventas y popularidad de las Islas Británicas. El 27 de Junio fue publicado finalmente el 7" single 'Love Will Tear Us Apart' con el lado A a 45 RPM y el lado B a 33 ⅓ RPM. El lado A incluía la versión grabada en el mes de Marzo en los Strawberry Studios de Stockport. El lado B en tanto, incluía 'These Days' y una versión diferente de 'Love Will Tear Us Apart' grabada en Enero en los Pennine Sound Studios de Oldham. La versión del lado A es un tanto más suave y algo menos enérgica en relación a la versión del lado B. Se dice que era la preferida por Bernard Sumner en tanto que la de los Pennine Sound Studios era la que gustaba más a Ian, por su fuerza y velocidad. 'Love Will Tear Us Apart' se convirtió en el primer hit de la banda en Reino Unido. Llegó al casillero 13 el 28 de Junio manteniéndose en charts por más de dos meses. Como dato curioso, en la etiqueta del lado B del disco se puede apreciar la fecha 18 de Abril de 1980, fecha en la que inicialmente se había pensado lanzar el 7" single, pero no fue así por todas las razones que ya conocemos. Debido a la gran demanda en Reino Unido por los 12" singles, 'Love Will Tear Us Apart' fue publicado en formato 12" el mismo 27 de Junio con una linda portada y con la fecha correcta en la etiqueta del lado B del disco (27.6.80). Esta edición original en 12" corre a 33 ⅓ RPM. Los tirajes posteriores, aunque también tienen la misma presentación y fecha en la etiqueta, corren a 45 RPM. Este single vendió 160 mil copias. Para muchos entendidos, fue el mejor single que nos dejó la década de los 80.

"La gran tragedia de la muerte de Ian es que quería ser famoso, y ahora se lo ha perdido por un par de semanas" - Peter Hook

Closer fue finalmente publicado el 18 de Julio de 1980. Llegó al casillero 6 del chart Británico el 26 de Julio. Estuvo 8 semanas en listas. Otro dato curioso: en las etiquetas del vinilo, en ambas caras se puede apreciar la fecha 9/5/80.

“Una de las mayores quejas que Bernard y yo teníamos de Martin Hannett... algunas de sus producciones nos parecían débiles, y completamente distintas a como nosotros nos las planteábamos. Pero mirando atrás, entiendo porqué trataba nuestras canciones de forma distinta a como las interpretábamos en directo. Ahora puedo entenderlo, pero antes me resultaba francamente incomprensible y enojoso” - Peter Hook

Closer es un disco sumamente depresivo con el barítono estilo vocal de Ian Curtis, en donde la electrónica y la producción de Martin Hannett toma mayor relevancia, creando atmósferas tristes y angustiosas, ideales para las composiciones de Curtis. El disco inicia con 'Atrocity Exhibition', con un repetitivo ritmo de tambores, un bajo oscuro y guitarras afiladas, y que tiene como referente la novela de ciencia ficción de G.J. Ballard. En 'Atrocity Exhibition', Curtis describe a una persona exhibida en un manicomio condenada a la soledad y al eterno sufrimiento. 'Isolation' es un tema bastante rítmico en donde se hace presente el sintetizador con un mensaje devastador de aislamiento: "Madre, lo he intentado, por favor créeme, lo estoy haciendo lo mejor que puedo, estoy avergonzado de las cosas por las que he pasado, estoy avergonzado de la persona que soy". 'Passover', otro genial tema, habla del vacío en el que se encontraba Curtis en su relación con su esposa Deborah tras la aguda crisis sentimental de comienzos de ese año. En 'Colony' retorna la desesperanza y los reproches. 'Colony' guarda relación con 'El Corazón De Las Tinieblas' de Conrad. Curtis plantea la falta de sinceridad y comunicación entre las personas, situación que inevitablemente conduce a la soledad, a la infelicidad y al drama de una separación. La primera parte de Closer se cierra con una magnífica canción, 'A Means To An End' con un sentimiento de violencia contenida y frustración por sueños truncados y vacío existencial. 'A Means To An End' representa uno de los picos más altos del album Closer. 'Heart And Soul' es otra canción con un mensaje de desesperanza, con un ritmo marcial tenebroso de alguna danza oscura imaginaria y en donde Curtis hace una interpretación de la muerte como algo inevitable: Corazón y alma, uno arderá... "¿La existencia? Bueno, ¿qué importa?, yo existo de la mejor forma que puedo, el pasado es ahora parte de mi futuro, el presente está fuera de mi alcance". En 'Twenty-Four Hours', Ian Curtis deja al descubierto sus heridas: "Ahora que me he dado cuenta de cómo ha ido todo de mal, tengo que encontrar alguna terapia, este tratamiento lleva demasiado tiempo, dentro del corazón donde domina la simpatía, tengo que encontrar mi destino, antes de que sea demasiado tarde". 'The Eternal' es otro mensaje oculto que nos habla del sufrimiento humano. La majestuosa 'Decades', la canción final del Closer, es una llamada de atención a la pérdida de ideales y a la falta de esperanza.

Para la portada del segundo disco de Joy Division, Peter Saville ideó una serie de imágenes de temática mortuoria. La cubierta de Closer fue ilustrada con una foto de Bernard Pierre Wolff de un detalle de la tumba de la familia Appieni, situada en el cementerio Staglieno de Génova, Italia. La imagen fue consensuada por los cuatro miembros de la banda, por lo que al conocerse la muerte de Ian Curtis, y a pesar de los tétricos paralelismos, el sello decidió tirar para adelante sin modificarla. Sin duda, una portada premonitoria y fúnebre.
Joy Division fue una obra de arte en si misma. Las letras de Curtis, la música de la banda al completo, la producción, el diseño, el vestuario, los afiches y sus conciertos convertidos en rituales casi religiosos con danzas retando a la muerte.



"Creo que Ian estaría verdaderamente emocionado por ser tan admirado. Tiene el lugar en la historia del Rock que se merece” - Deborah Curtis