martes, 15 de diciembre de 2015

THE CLASH - LONDON CALLING (1979)


Tercer disco de The Clash, editado en formato de doble album (dos vinilos) publicado el 14 de Diciembre de 1979. 'London Calling' fue producido por Guy Stevens y es considerado uno de los mejores discos de la historia del Rock. Incluye una mixtura de estilos que van del Ska y el Reggae, al Rockavilly de los años 50 y el Punk-Rock por supuesto. Algunas de las mejores canciones: 'London Calling', 'The Guns Of Brixton', 'Death Or Glory', 'Spanish Bombs', 'Train In Vain', 'Brand New Cadillac', 'Revolution Rock' y 'Lost In The Supermarket', entre otras.

El nombre del disco 'London calling', hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. "Aquí Londres llamando…" decían los locutores.

El diseño de la portada pertenece a Ray Lowry, en tanto la fotografía es de Penny Smith.

Pennie Smith estaba tomando fotos de The Clash en el Palladium de Nueva York en Septiembre de 1979 durante la gira Estadounidense "Clash Take The Fifth", cuando capturó una de las imágenes más icónicas de la historia del rock...

Paul Simonon, el bajista, estaba molesto porque la audiencia se encontraba muy tranquila, así que empezó a golpear su bajo contra el suelo. “El Palladium había puesto sillas para que el público se sentase, y eso hizo que la gente se congelara”, dijo Simonon. “No recibíamos ninguna respuesta de ellos: era como si no les importara lo que estábamos haciendo. En general soy de buen carácter, pero de pronto se me cruzaron los chicotes”...

A Joe Strummer le encantó la foto, pero Penny Smith trató de convencerlo de que estaba demasiado desenfocada para ser la portada.... en fin, esta portada se convirtió en una de las mejores de todos los tiempos. Ciertamente las letras, colores y contraste tiene un sospechoso parecido con una portada de Elvis Presley. Eso ya debido a la decisión de Ray Lowry.

MANUEL GÖTTSCHING - E2-E4 (1984)


E2-E4 es un disco de escucha obligatoria sobre todo para los DJs que gustan mezclar música electrónica. De este disco parten muchas ideas y por cierto, recuerda el estilo de uno de mis DJs top de toda la vida, Larry Levan, el DJ residente del Paradise Garage, aquel que solía alargar las canciones haciendo remixes en tiempo real con dos discos de vinilo idénticos, creando paisajes instrumentales inacabables, repitiendo una y otra vez los mejores momentos de algún tema y claro, con mucha técnica y pericia. Este E2-E4 recuerda un tanto esa idea de alargar fragmentos y convertirlos en algo hipnótico.

E2-E4 es considerado como uno de los discos más sampleados y remezclados del siglo XX. Más que Kraftwerk. 28 minutos de electrónica y otros 30 de guitarra. 58 minutos en total. Una sola pista de casi una hora de duración de electrónica progresiva minimalista que se subdivide en pistas individuales de acuerdo a la etapa de la canción. El mismísimo Larry Levan usaba este vinilo tocando ciertas áreas para mezclarlas con otros temas. La segunda mitad del disco es notable por la guitarra de Manuel Göttsching. E2-E4 es considerado un clásico y un referente para el Techno de Detroit y para gente como Carl Craig o Derrick May. Fue grabado el 12 de Diciembre de 1981 aunque tuvo que esperar algún tiempo para ser publicado finalmente en 1984. En Diciembre de 1981 Göttsching entró en su estudio armado sólo con un sintetizador Korg y una guitarra y entonces comenzó a tocar, se dejó llevar, improvisó! el resultado, uno de los discos más influyentes de la historia, sin más ni más. Lo extraño del asunto es que Göttsching inicialmente no tuvo la intención de editar este disco. E2-E4 marca el inicio de la Electrónica pura llevada a las pistas de baile. Si tuviera que resumir qué es E2-E4 en una sola frase: E2-E4 es el loop perfecto.

Por otra parte, Manuel Göttsching es todo un personaje, y de los más importantes de la música Germana. Fue el líder, guitarra y sintetizador de ASH RA TEMPEL, una de las mejores bandas Germanas de todos los tiempos. A mi gusto, Ash Ra Tempel es en Alemania tan importante y trascendental como lo fue The Velvet Underground en USA o el primer Pink Floyd de Syd Barrett en UK. Sin menospreciar a otros grandes como Can o Amon Düül.

THROBBING GRISTLE - 20 JAZZ FUNK GREATS (1979)


Los dos primeros albums de Throbbing Gristle: '2nd Annual Report' (1977) y The Third And Final Report (1978), estuvieron repletos de genialidades, en donde Genesis P. Orridge (vocales, bajo, violín) y Peter Christopherson (cintas y trompeta) se encargaban de tejer las oscuras tonalidades y el ruido. Cosey Fanny Tutti (guitarra, electrónica) y Chris Carter (electrónica y mezclas), se ocupaban de las partes melódicas y rítmicas. A los primeros debemos clásicos del peso de 'Hamburger Lady', 'Blood On The Floor' y 'What A Day'. A los segundos, 'Hot On The Heels Of Love', 'United' y 'Adrenalin'. El trabajo en conjunto fue lo que los hizo grandes, es sin embargo la diferencia de ideas al interior de la banda lo que terminó por separarlos en 1982.

Este album '20 Jazz Funk Greats' publicado el 10 de Diciembre de 1979, es considerada su obra maestra. No contiene ni grandes éxitos, ni son 20 canciones ni mucho menos Jazz o Funk. En este disco, grabado totalmente en estudio a diferencia de la mayor parte de sus trabajos, no hay ninguno de sus virulentos ataques a los sentidos tan propios del grupo, sino un buen puñado de temas basados en secuencias y ritmos electrónicos que empiezan a parecer canciones y que por momentos parecen acercarse tímidamente a un electro-pop oscuro, hipnótico y minimal, aunque salpicado aquí y allá de amenazas contenidas y tenues perturbaciones industriales y alternadas con enigmáticas insinuaciones ambient. Todo en este disco vale su peso en oro: 'Hot On The Heels Of Love', recitado sensualmente por Cosey sobre un primitivo ritmo euro-disco; la obsesión esquizoide y bucle industrial de 'What A Day'; más secuencias semi-industriales en 'Still Walking' y el ritmo mecánico y alegato sobre su propio arte que es 'Convincing People'. Disco imprescindible.

THE DAMNED - ANYTHING (1986)


Séptimo disco de estudio de The Damned, producido por Jon Kelly. Este buen album recibió malas críticas y fue el último con MCA Records. La banda cambió un tanto de dirección, dejando atrás su etapa Gótica -Phantasmagoria- tomando algunos elementos Psicodélicos. Incluye 'Alone Again Or' (cover de Love), 'In Dulce Decorum', 'Gigolo' y 'Psychomania', entre otras.

KLAUS NOMI - KLAUS NOMI (1981)



Album debut de Klaus Nomi, artista de culto, excéntrico y extravagante, algo así como una especie de mimo galáctico con trajes triangulares y maquillaje sobrecargado. Fue el primero en fusionar la Ópera con la New Wave (género conocido posteriormente como Ópera Pop), vanguardista Underground nacido con el nombre Klaus Speber en Baviera, al sur de Alemania, aunque más conocido como Nomi (acrónimo de OVNI, su revista preferida), famoso por su registro de voz de tenor y a la vez de contratenor. Nomi fue el primero en mezclar la música clásica y las dotes líricas con sintetizadores, sonidos electrónicos y una imagen futurista.

En 1970 se instaló en Nueva York, en el artístico barrio de East Village, en donde convivían artistas de todo tipo y en donde se gestó el punk y el vanguardismo, como hoy los conocemos. Fue allí en donde llegó su reconocimiento. Primero entre vecinos vanguardistas y luego por toda la ciudad. En 1978 empezó su despegue con la producción New Wave Vodevil. La actuación terminó con Nomi tirándose al público entre humo de colores, sonidos electrónicos e iluminación robótica. Su maestro de canto y amigo Ira Siff, expresó en su momento: "Nomi fue el primero en combinar con buen gusto la música Pop y la Ópera, entendiendo y conociendo los dos estilos y haciéndolos trabajar juntos. Llevó su voz a lugares y gente donde nada parecido había sonado antes".

El propio David Bowie lo invitó a interpretar su tema "The Man Who Sold The World" para el programa de TV Saturday Night Live en 1979. Luego de ello fue llamado por la discográfica RCA con quien hizo realidad en 1981 su primer disco, 'Klaus Nomi' con algunas obras maestras de este artista adelantado a su tiempo. Un año más tarde grabó su segundo álbum 'Simple Man', trabajo algo menos histriónico y algo más pop.

El 6 de agosto de 1983, en pleno reconocimiento popular de su carrera, Klaus Nomi moría de Sida. Murió solo, como un apestado, abandonado por sus amigos, en épocas en las que el VIH no era conocido. De hecho Nomi fue el primer famoso en infectarse de este mal y quienes lo conocían, no sabían cómo afrontar tal situación al punto de pensar que con el sólo hecho de tocarlo serían infectados. Al VIH se sumó Sarcoma de Kaposi y por último un brote en todo el cuerpo de Herpes. La promiscuidad de la que en algún momento presumió le terminó pasando factura. Una carrera truncada con un lamentable final. 32 años después de su muerte, la música de Klaus Nomi continúa en el recuerdo de muchos. Esa es la Vanguardia ¿no es así? Trascender al tiempo que le tocó vivir y mantener su arte vivo y mejor aún, vigente.

Este album debut de Klaus Nomi publicado el 30 de Noviembre de 1981 bajo la producción de Ron Johnsen, es un disco que ha ido revalorizándose con el tiempo. Casi como una obra intergaláctica de Ópera-Glam llena de canciones de amor en formato Techno primitivo, New Wave y guitarras Rockeras mezcladas con arias clásicas y seres de comics angelicales disfrazados de demonios. Sin duda, la voz de Klaus ha sido la única en el mundo en alcanzar semejantes registros vocales. Su voz de tenor como por arte de magia se convertía en la voz de una soprano que quitaba el aliento. Destacan 'Nomi Song', 'Total Eclipse', 'Lightning Strikes' y 'The Cold Song' de Henry Purcell. Disco imprescindible.

COCTEAU TWINS - ECHOES IN A SHALLOW BAY EP (1985)


1985 fue un gran año para Cocteau Twins. Publicaron una hermosa trilogía de EPs. Precisamente este 'Echoes In A Shallow Bay' fue el tercero de ellos.

El 4 de Marzo apareció el EP 'AIKEA-GUINEA' con la contundente y enérgica pieza instrumental 'Rococo', precedente directo de la escena Shoegazing, además de 'Quisquose', en donde Fraser le imprimía más fuerza a su vocalización, influenciada, evidentemente, por cánticos medievales. 'Aikea-Guinea', en tanto, mantenía la vena del album 'Treasure' intacta, aunque insinuaba cierta dureza para su sonido en el futuro.

En el mes de Noviembre se completó la trilogía de EPs lanzados durante 1985 con 'TINY DYNAMINE' y 'ECHOES IN A SHALLOW BAY', todos ofreciendo un sólo concepto, que pudo bien ser plasmado en un valioso album. En el primero se incluía la notable 'Pink Orange Red', la misma que confirmaba un tratamiento de mayor dureza al estilo, aunque sin abandonar la musicalidad conseguida en 'Treasure'. 'Sultitan Itan' fue prueba de ello. Reflejo de madurez y de inagotable creatividad.

En el segundo destacaba 'Great Spangled Fritillary' y la extraordinaria 'Melonella', con, al menos, tres pistas de Fraser haciendo de su voz una delicia coral, la que llegaba por momentos a límites inéditos en su técnica, con gritos incluidos. La base instrumental era impecable, con un bajo bastante fluido y una guitarra pincelando de hermosas tonalidades la melodía. 'Pale Clouded White', en tanto, fue otra de aquellas galopantes y sinuosas composiciones atmosféricas. Para entonces, Cocteau Twins ya había logrado consolidarse como una de las principales bandas de culto y de mayor avanzada en Reino Unido, debido a su gran creatividad e incesante innovación.

JAPAN - TIN DRUM (1981)


Quinto album de Japan, el mejor de todos, publicado el 28 de Noviembre de 1981. El disco fue producido por Steve Nye y la banda. Steve Nye buscó romper del todo con el sonido Glam de sus primeros discos. En 'Tin Drum' se aprecia más que en cualquier otro disco de Japan la influencia de la música Oriental. De hecho el trabajo de Richard Barbieri desde los sintetizadores logra emular los climas y sonidos de Oriente. Mick Karn incorporó para el sonido de la banda una flauta Africana y un oboe de la China llamado Suona. En las grabaciones también participó en violín Simon House (ex-Hawkwind). Flauta, oboe, violín, cajas de ritmo, sintetizadores, cintas, además de guitarras, bajo fretless y batería, una obra maestra con la cual Japan llegó al # 12 del chart Británico en Noviembre de 1981.

Incluye su canción más famosa en UK, 'Ghosts' (# 5 en Marzo de 1982), 'Cantonese Boy' (# 24 en UK), 'The Art Of Parties' (# 48 en UK), 'Visions Of China' (# 32 en UK), 'Talking Drum' y 'Still Life In Mobile Homes', entre otras. Un disco de gran nivel, programado en parte y únicamente en la recordada Super FM.

SIOUXSIE AND THE BANSHEES - NOCTURNE (1983)


Gracias a este album pude conocer más a fondo la música de Siouxsie And The Banshees. Antes de escuchar 'Nocturne' conocía algunas buenas canciones de esta banda y también un par de albums, pero es con este disco que me interesé por explorar en toda la discografía y descubrir los cinco primeros albums de estudio que precedieron a este album-concierto publicado en 1983.

En Diciembre de 1982, Robert Smith (líder de The Cure) ingresó en los Banshees sustituyendo al genial guitarrista John McGeoch (el de la trilogía básica de la banda). McGeoch estuvo en recuperación durante ese tiempo, debido a su adicción por el alcohol. A Robert Smith le cayó de perilla el ingreso a los Banshees cubriendo algunas fechas finales de la gira de 1982, y terminó quedándose como un miembro estable 'oficialmente' hasta Mayo de 1984. Tuvo tiempo suficiente como para editar algunos singles en The Cure, grabar algo con Siouxsie And The Banshees e incluso, experimentar con el bajista de la banda, Steve Severin, en el proyecto The Glove.

1983 fue un gran año para los Banshees, no sólo por el lanzamiento de este majestuoso 'Nocturne'. Al iniciar 1983, rompen con Polydor y crean su propia discográfica Wonderland. La idea original era publicar desde su sello Wonderland el material que venía preparando Siouxsie Sioux con el baterista de los Banshees, Budgie. Ambos tenían un proyecto llamado The Creatures que sonaba tan tribal como los lados B de algunos singles de los Banshees. A su vez, Robert Smith y Severin también tenían disco y singles listos a publicarse como The Glove, así que todo este material de las dos duplas -The Creatures y The Glove- fue lanzado durante 1983 desde su propio sello Wonderland. Finalmente también la discográfica serviría como plataforma para el lanzamiento de los nuevos discos de Siouxsie And The Banshees, contando con Polydor para su manufactura y distribución.

El 23 de Septiembre de 1983 la banda publica el single 'Dear Prudence' (cover de The Beatles) bajo la etiqueta Wonderland. Fue su mayor hit en UK, llegó al # 3 del chart. El 25 de Noviembre, finalmente llega a las tiendas 'Nocturne' en formato de doble LP. 'Nocturne' recogía parte de lo mejor de dos presentaciones en el Royal Albert Hall de Londres, realizadas el 30 de Octubre y 1 de Noviembre de ese año. La grabación estuvo a cargo de los ingenieros Paul Crowder y Tim Summerhayes, éste último, ingeniero especializado en grabaciones de conciertos y mezclas multipista de difusión en directo. La producción del disco estuvo a cargo de Mike Hedges y la banda, con Chris Ludwinski en ingeniería de sonido. 'Nocturne' encierra la mejor época de los Banshees con los clásicos de su mágica trilogía con McGeoch y también algunos himnos de los dos primeros albums. 'Nocturne' también fue publicado en video: Laserdisc y VHS, aunque sólo en sistema PAL. Quienes no teníamos convertidores, tuvimos que esperar algunos años por la versión en NTSC. Ciertamente en el video se incluyen menos canciones, están en diferente orden y las mezclas varían. En el 2006 fue remasterizado en DVD con extras. La composición que suena como intro es 'The Rite Of Spring' de Igor Stravinsky. Genial album con una formación de lujo en uno de los mejores momentos de The Banshees. Luego de todo esto, la banda despegaría en los Estados Unidos y se haría un tanto más conocida en Sudamérica.

Tracklist

A1. Israel 
A2. Dear Prudence
A3. Paradise Place 
A4. Melt!


B1 Cascade 
B2 Pulled To Bits 
B3 Nightshift 
B4 Sin In My Heart


C1 Slowdive 
C2 Painted Bird 
C3 Happy House 
C4 Switch


D1 Spellbound 
D2 Helter Skelter 
D3 Eve White / Eve Black 
D4 Voodoo Dolly

DEAD CAN DANCE - SPLEEN AND IDEAL (1985)


'Spleen And Ideal', el segundo disco de Dead Can Dance, publicado por 4AD el 25 de Noviembre de 1985, marcó la evolución de sus sinfonías etno-etéreas. Las atmósferas en temas como 'Circum Radiant Dawn' y 'De Profundis (Out Of The Dephts Of Sorrow)' fueron notables, ambas vocalizadas por Lisa Gerrard con acercamientos a las sonoridades del medio oriente y pasadas por una pulcra cámara, algo más evidentes en 'Mesmerism' y 'Avatar'. Los puntos máximos del album fueron delineados por Brendan Perry con su inteligente gigantismo sonoro en 'The Cardinal Sin', 'Advent' y 'Enigma Of The Absolute', ésta última con el cello de Martin McCarrick.


'Spleen And Ideal' fue grabado y mezclado en los estudios Woodbine, propiedad de John A. Rivers, quien también se hizo cargo de la producción junto a Brendan Perry entre Septiembre y Noviembre de ese año. La grabación de este segundo disco contó con la participación de varios músicos de sesión en cello, timbal, trombón y violín. La riqueza de sonidos y su amplio espectro con la producción y dirección artística de Perry, más la voz incomparable de Lisa, llevaron al disco al # 2 de las listas independientes Británicas, lo que les valió la aureola de grupo de culto.

En general, las piezas que integran Spleen and Ideal "están influenciadas/ orientadas hacia el Jazz y el ritmo", como lo comentaba el propio Brendan Perry en una entrevista de 1986... "Algunas tienden a una vinculación musical histórica con los periodos barroco y medieval. Son sólo estructuras musicales. El contenido lírico es obviamente nuestro y es lo que hace contemporáneo el sentido de nuestra música".

El título del álbum fue tomado de la poesía del romántico del siglo XVIII, Charles Baudelaire y evoca el conflicto entre la carne pecadora (Spleen) y la lucha por alcanzar el ideal.

"Por la naturaleza del sentido lírico, del tono, hubo un aspecto de dos caras en una pieza musical que celebraba el ideal y también canciones sobre el sufrimiento de las relaciones, sus peligros y trampas. Sentí esa unión en el diseño de la portada, el simbolismo y sentimiento conjunto. Fue lo correcto porque 'Spleen And Ideal' sugiere un tipo de mecanismo, una interacción entre las relaciones humanas y el mundo" - Brendan Perry

SOFT CELL - NON-STOP EROTIC CABARET (1981)


Disco debut de este dúo Techno-Pop de Leeds formado en 1978 por el estrambótico diseñador Marc Almond (voz) y el talentoso multi-instrumentalista Dave Ball (Instrumentos electrónicos y acústicos). Soft Cell estuvieron influenciados por el Soul, el Cabaret, el Music Hall, la música Celta, el Jazz y la energía afterpunk, tanto como por los híbridos Suicide, Van Der Graaf Generator y Cabaret Voltaire. De hecho se trató de uno de los grupos/ dúos más lúcidos de la primera escena del Electronic Pop.

Este disco producido por Mike Thorne fue publicado el 23 de Noviembre de 1981 y llegó al # 5 en Reino Unido. 'Non-Stop Erotic Cabaret' representó para el sello Some Bizzare la gallina de los huevos de Oro. Stevo, propietario de la casa discográfica fue además el manager de Soft Cell. Las letras fueron inspiradas en la ciudad de New York con relatos de historias en clubs nocturnos, calles de la ciudad y hasta cines porno. En la portada aparece Marc Almond y Dave Ball enfundados en casacas de cuero y lentes de sol bajo un letrero de neones. En cuanto a la instrumentación, Dave Ball usó el Synclavier (el primer sintetizador digital que se comercializó en aquel tiempo) y una caja de ritmos Roland 808, con el apoyo ocasional de instrumentos de viento como el saxo y el clarinete a cargo de Dave Tofani.

'Non-Stop Erotic Cabaret' incluye la notable 'Memorabilia', un tema obligado en cualquier pista de baile en aquellos años y que fuera el primer single de Soft Cell (Marzo 1981) con la participación vocal de Cindy Ecstasy. De hecho la más recordada es 'Tainted Love', un Soul electrónico, cuya versión original de Junio de 1965 por Gloria Jones (teclista de los T. Rex), fue en su momento un rotundo éxito. La re-lectura de Soft Cell llegó al casillero 1 en UK en Agosto de 1981, manteniéndose en charts por cuatro meses y convirtiéndose en el single más vendido de ese año y en uno de los más vendidos de la música Británica de todos los tiempos. En Julio de 1982 alcanzaron con 'Tainted Love' el # 8 del chart Norteamericano y permanecieron por 43 semanas consecutivas entre los más vendidos.

'Non-Stop Erotic Cabaret' se abría con la contagiante 'Frustration', una canción sumamente dinámica de lírica disparatada y hasta desafiante. La siguiente, 'Tainted Love', cobraba mayor sentido y significado al escucharla como parte del album. Las relaciones sentimentales se convertían en algo más sexual, como en 'Seedy Films', una auténtica joya de la época que encierra una historia retorcida dentro de un cine. 'Sex Dwarf' hasta fue censurada por el alto componente sexual. Resultaba gracioso escucharla en Doble Nueve con los alaridos y gemidos de Almond e imaginar la cara de Manuel Sanguinetti desde su casa en sintonía de su radio. Seguramente Fernando Gayoso se ganó más de una advertencia. Sonaban tan inocentes y a la vez tan retorcidos. En 'Chips On My Shoulder' por ejemplo. El album tuvo sus hits a nivel radial en UK, no todo fue 'Tainted Love'. 'Bedsitter', otra inolvidable clásica, llegó al # 4 en Noviembre de 1981. La letra hablaba de cierto sentimiento de vacío en una mañana de Domingo luego de una noche de juerga. Igualmente notable el tema que cierra el disco, 'Say Hello, Wave Goodbye' que también fue publicado como single y ocupó el # 3 de UK en Febrero de 1982. Número cinco en albums y sus tres singles en el Top 5 de UK, toda una hazaña, más aún, tratándose de un producto de calidad y a la vez de buena pegada en radio. Discos así, muy pocos.

Como dato curioso, en los créditos del album figura en coros Vicious Pink Phenomena, o sea, el dúo que luego acortó su nombre a Vicious Pink y que concibió algunos buenos clásicos de la New Wave. Ellos eran Josie Warden y Brian Moss.

Debido al contundente éxito de 'Non-Stop Erotic Cabaret', Soft Cell editó en Junio de 1982 el mini-LP 'Non Stop Ecstatic Dancing' con tres nuevas versiones de 'Memorabilia', 'Sex Dwarf' y 'Chips On My Shoulder', además del nuevo single 'What' (# 3 en UK), el 'Where Did Our Love Go' que sirvió de complemento al extended de 'Tainted Love' y algún lado B. Además de tratarse de versiones diferentes y hasta más bailables, todas venían mezcladas entre sí. Un bonito disco de colección que llegó al # 6 en UK. Por cierto, para esa ocasión si incluyeron el nombre de Cindy Ecstasy en los créditos. Cindy Ecstasy fue la chica que introdujo a Marc Almond y a Dave Ball al ecstasy cuando este alucinógeno aún no había sido popularizado en UK. Según declaraciones del propio Marc Almond, los dos primeros albums fueron grabados 'experimentando' con el ecstasy. Sea como sea, album de referencia y de los mejores del Electronic Pop de los primeros años 80.

THE MISSION - GODS OWN MEDICINE (1986)


Album debut de esta banda de Leeds, UK, fundada por Wayne Hussey y Craig Adams, ex-guitarrista y ex-bajista de The Sisters Of Mercy respectivamente.

El ingreso de Wayne Hussey como segundo guitarrista de The Sisters Of Mercy, fue tomado con recelo por el guitarrista fundador y primera guitarra. Hussey se ganó el puesto de primera guitarra en la banda, gracias a su creatividad. Andrew Eldritch lo dispusó así. Marx, inconforme, se topó con la dominante personalidad de Eldritch y tuvo que abandonar la banda en Abril de 1985, en pleno tour europeo. Durante la gira promocional por los Estados Unidos, empezaron los roces entre Eldritch y Hussey. Fue entonces cuando Hussey planteó a su amigo Craig Adams dejar a Eldritch y así, desligarse de su acaparamiento compositivo. Como resultado nacería The Mission, aunque el nombre original debió ser The Sisterhood.

Adams y Hussey reclutarían para el nuevo proyecto al guitarrista Simon Hinkler (ex-Artery) y al sobresaliente baterista de los Red Lorry Yellow Lorry, Mick Brown. El nombre elegido: The Sisterhood.
The Sisterhood (La Hermandad) era el apelativo de un grupo de seguidores de Sisters Of Mercy que los acompañaban en todas las giras. Por casualidades de la vida, Eldritch ya se les había adelantado registrando bajo su firma el nombre en Diciembre de 1985. Sin embargo, al mes siguiente, Hussey y compañía hacen las primeras presentaciones en directo bajo el discutido nombre, abriéndole los shows a The Cult. Eldritch, en tanto, tomaría acciones legales obligando a Hussey a desistir, rebautizando a su banda definitivamente como The Mission.

'Gods Own Medicine' fue producido por la banda y Tim Palmer, y publicado el 22 de Noviembre de 1986. Incluye 'Wasteland', 'Severina' (con la vocalista de All About Eve, Julianne Regan), 'Garden Of Delight' (# 1 en el Indie Chart UK), 'Stay With Me' (sospechosamente similar al 'Melt!' de Siouxsie & The Banshees), 'And The Dance Goes On', 'Love Me To Death' y 'Sacrilege', entre otras. El album fue grabado en menos de dos meses. Disco imprescindible.

jueves, 19 de noviembre de 2015

CURVE - PUBIC FRUIT (1992)


La primera vez que escuché este grupo fue en 1991 con una de sus mejores canciones, ‘Coast Is Clear’, y quedé atrapado por la increíble sensualidad de la vocalista, también por la musicalización, buena base rítmica e inclusive innovaciones para la época, como elementos de la nueva escena electrónica. Se trataba de una banda que emergía como parte del nuevo Shoegaze pero se diferenciaba de los demás grupos por su sonido, mensajes y también por la oscura actitud de su vocalista. Explorar en la música de Curve fue un deleite en aquel 1991 de grandes cambios.

Curve fue un dúo de Londres formado por Dean García (bajo, percusión programada, teclados, capas de guitarra) y Toni Halliday (vocalista y guitarrista ocasional). Ambos eran los compositores de la música, en tanto Toni se hacía cargo de las letras. Aunque para muchos era algo nuevo lo que hacían, tanto Dean como Toni llevaban años en la escena musical Británica.

Toni Halliday en sus inicios, fue la vocalista de una banda Punk llamada Photofitz. Esta aventura sucedió entre 1978 y 1980. Al no trascender, decide iniciar su carrera como solista, no sin antes participar como corista en uno de los singles de la banda New Wave, Bonk (‘The Smile And The Kiss’, 1983) e intentar hacerse finalmente conocida en su propio proyecto, The Uncles, junto a Christine Pike, publicando en 1984 apenas un single de tendencia Pop Rock. En 1985 y 1988 fue invitada como voz adicional y corista en los discos de Robert Plant, ‘Shaken ‘N’ Stirred’ y ‘Now And Zen’, respectivamente.

Paralelamente, en 1985, Toni Halliday formó junto a Dean García la banda State Of Play con Olle Romo (baterista de Eurythmics) y Julie Fletcher. Como tales publicaron un único álbum, ‘Balancing The Scales’ (1986) y dos singles. El estilo del disco iba desde el Pop Rock hasta Crossover. El poco después famoso Alan Moulder (futuro esposo de Toni Halliday) se hizo cargo de la ingeniería y mezclas. En el disco también colaboraba Dave Stewart, músico, compositor y productor de Eurythmics.

En 1989 Toni Halliday publicó su álbum solista ‘Hearts And Handshakes’, compuesto y producido por Toni y Alan Moulder (también teclados, guitarra, percusión), con Flood colaborando en mezclas y guitarras, Olle Romo (Eurythmics) en batería, Dave Stewart (Eurythmics) en guitarra y el propio Dean García en bajo, entre otros. El disco produjo cuatro singles poco conocidos y fue publicado por Anxious Records, propiedad de Dave Stewart y sello desde el cual también se editarían los discos de Curve. El estilo del album era similar al de bandas de la época como T’Pau y The Other Ones, es decir, Pop standarizado que reciclaba ciertos elementos de la New Wave, del Synthpop, Folk y hasta música Celta. Es sorprendente el giro que daría apenas un par de años después.

Dean García por su parte, fue el bajista de Eurythmics en las presentaciones en directo de 1983 / 1984, es decir, las épocas de mayor pegada de la banda. También participó en el estudio, en los discos ‘Touch’ (1983) y ‘Be Yourself Tonight’ (1985). Precisamente Dean García conoció a Toni Halliday por intermedio de Dave Stewart.

Debido a todas las mencionadas conexiones de Dean y Toni con otras bandas más ligadas al mainstream, algunos críticos fueron renuentes con Curve. Pese a todo, el dúo se abrió camino y dieron mucho que hablar especialmente entre 1991 y 1993.

El estilo de Curve bien podía relacionarse con el emergente Shoegaze de aquellos meses de 1991, pero su sonido tenía elementos propios pues combinaba las atmósferas del Shoegaze con algunas pinceladas del Dark Goth y beats del Techno. Las influencias eran obvias, My Bloody Valentine y antes The Jesus And Mary Chain habían trazado el camino, pero también el sonido de bandas como Colourbox y el primer Killing Joke se dejaban sentir. Densas murallas de guitarra con riffs superpuestos a cargo de Dean García, ritmos festivos contrastando con la introspectiva oscuridad de las atmósferas y de los relatos de Toni Halliday con su voz seductora en tono grave (contralto), sumamente sensual, una vocalista hábilmente producida para que impacte también en los video-clips, con sus siempre hermosos ojos azules contorneados de maquillaje oscuro y gestos felinos y algo agresivos. Curve fue definitivamente un ‘producto’ de calidad que supo aprovechar la oleada Shoegazing con buenas composiciones, notable producción, imagen impactante y atractivos video-clips.

‘Blindfold’ (Marzo) fue el primero de los tres EPs que publicarían durante 1991. Incluía la festiva ‘Ten Little Girls’ con algunas partes rapeadas a cargo de Jonathan Chandra Pandy (JC-001), la extraordinaria y cautivadora ‘I Speak Your Every Word’, de las mejores de la primera época de Curve y la también destacable ‘No Escape From Heaven’. Steve Osborne y la banda supervisaron la producción. Alan Moulder en tanto, estuvo a cargo de la mesa de mezclas. ‘Blindfold’ EP alcanzó el # 68 del UK Singles Chart.

En ‘Frozen’ EP (Mayo 1991), la producción y mezclas fue realizada de la misma manera que en ‘Blindfold’. Incluía uno de sus himnos, ‘Coast Is Clear’. El notable video en tonos grises y azules que fue rotado por MTV fue dirigido por la reconocida Sophie Muller. ‘Coast Is Clear’ alcanzó la posición # 12 del Modern Rock Tracks de USA. ‘Frozen’ EP, por supuesto también incluía la canción del mismo nombre con sus deliciosas texturas Dreampop y base rítmica recargada de una masa de sonidos ondulantes, sello característico de Curve. Toni en tanto, siempre vocalizando maliciosa y sensualmente a la vez. ‘Zoo’, la canción que cerraba el EP, es igualmente destacable. ‘Frozen’ EP llegó al # 34 de la lista general Británica.

El tercer EP ‘Cherry’ (Octubre 1991) incluía también cuatro canciones con la misma producción y mezclas. Llegó al # 36 del UK Singles Chart. En ‘Cherry’ sobresalían otras dos joyas de su discografía, la intensa y atmosférica ‘Clipped’ con un radiante video dirigido por Keir Halliday, y la perturbadora ‘Die Like A Dog’ con su potente bajo, guitarras afiladas y ritmo energético.

Finalmente, ‘Pubic Fruit’ fue publicado el 17 de Noviembre de 1992 en USA y Canadá, e incluía el íntegro de los tres EPs además como bonus, una versión extendida del nuevo single ‘Fait Accompli’. ‘Pubic Fruit’ fue el primer impulso creativo de esta gran banda liderada por Dean Garcían y Toni Halliday. En la primera y mejor época la batería estuvo a cargo de Steve Monti con Debbie Smith y Alex Mitchell en guitarras.

Para cuando fue publicado ‘Pubic Fruit’ (Noviembre 1992), Curve ya habían lanzado su álbum debut ‘Doppelgänger’ (Marzo) y los singles ‘Fait Accompli’ (Febrero) y ‘Horror Head’ (Julio), e inclusive habían colaborado en el box set ‘Ruby Trax – The NME’s Roaring Forty’, edición que conmemoraba el 40 aniversario de New Musical Express con 40 covers a cargo de 40 de las más representativas bandas de aquellos años. Curve participó con un bonito cover en clave Shoegaze del famoso ‘I Feel Love’, interpretado originalmente por Donna Summer. De hecho 'Pubic Fruit' fue como la cereza del pastel.

THE JESUS AND MARY CHAIN - PSYCHOCANDY (1985)


En 1985, la única información sobre la escena independiente a la que se podía acceder era a través de algunas notas en fanzines y en la única revista de Rock que circulaba, Ave.Rok. Pese a las limitaciones, las noticias sobre los escándalos de una nueva y ruidosa banda llamada The Jesus And Mary Chain se esparcieron como pólvora en épocas de terrorismo, crisis y apagones... de hecho escuchar 'Psychocandy' por primera vez, impactaba. Era algo genuino y novedoso. Algo realmente transgresor. Las melodías sonaban tan bien, y el ruido encima en ocasiones desesperaba, pero esa era la gracia. Acostumbrarse al ruido extremo y apreciar el contraste de ruido y melodía a la vez.

The Jesus And Mary Chain, desde sus inicios fueron considerados la banda Británica más revolucionaria desde los Sex Pistols. Los hermanos Reid ganaron la atención de la prensa debido fundamentalmente a la violencia que generaban en sus shows. Y es que su hiriente sonido recubierto por considerables capas de ruido, fue inicialmente rechazado por no pocos de sus curiosos espectadores quienes provocaban sobre ellos lluvias con latas de cerveza, escupitajos e insultos que los hermanos Reid se encargaban de responder con violencia. Sus incendiarios shows duraban apenas 20 minutos y en ocasiones acababan en destrozos con un público enardecido que convertía sus presentaciones en una batalla campal. Y tocaban de espaldas como la Velvet Underground.

Según declaraciones de los hermanos Reid en aquella época, ellos "retomaron la actitud del Punk Británico con arrogancia e irreverencia", provocando destrozos en sus shows y escándalos en la prensa. Los Reid propinaban insultos a los artistas impuestos por la industria y en alguna ocasión fueron arrestados por posesión de drogas. Tal y como sucedió con otras bandas, Jim y William Reid supieron sacar provecho de los tiempos que les tocó vivir, manejando a los medios a su antojo y pasando a ser cabezas de una nueva generación.

Esta banda re-dimensionó el Pop Británico, fortaleciendo propuestas como las de Creation -y su revalorización a la primera era sicodélica- con sus revivals. Combinaron la ingenuidad, dulzura, frescura y espontaneidad de sus melodías, con acoples, paredes de feedback y chirridos de guitarra, marcando con ello el nacimiento del llamado Noise de la segunda mitad de los años 80.

The Jesus And Mary Chain se iniciaron como banda en Marzo de 1984 con Jim Reid (voz, guitarra) y William Reid (guitarra, voz). Provenientes de la ciudad de Glasgow, Escocia, los Reid se desplazaron a Londres, Inglaterra, cargados con algunos demos caseros grabados en su propio porta-estudio. La banda se completaría con Douglas Hart (bajo) y Murray Dalglish (batería).

Tras el contacto con Alan McGee, propietario de Creation Records, aparece la primera muestra, el single debut 'Upside Down' lanzado en Noviembre de 1984, producido por ‘Slaughter’ Joe Foster, viejo amigo de McGee. En Febrero de 1985 llegarían al tope del chart Independiente por dos semanas. 35,000 copias vendidas. Poco después de aquel single debut, McGee les consiguió un nuevo batería, Bobby Gillespie, el mismo que sería fundador de Primal Scream. Tras el impacto de sus presentaciones, McGee negoció el traspaso de su fichaje a Blanco y Negro, sello subsidiario de WEA desde donde emprenderían su despegue definitivo.

Precediendo al primer album, publicaron el single 'Never Understand' en Marzo, con el cual ingresan por primera vez a la lista general Británica (# 47), también el maxi 'You Trip Me Up' (# 55) en Junio, y otro maxi en Octubre conteniendo la delicada 'Just Like Honey' (# 45), sin duda, un valioso precedente de ingenuidad y sencillez melódica, característica que marcaría la escena Británica de la segunda mitad de los 80.

'Psychocandy', el esperado primer album publicado el 18 de Noviembre de 1985, recopiló material producido por los hermanos Reid en cuatro años desde su Escocia natal. 'Psychocandy' estuvo repleto de hermosas melodías Pop ('Taste Of Cindy', 'The Living End', 'In A hole', 'Cut Dead'), ocultas bajo una cortina de ruido producido por acoples, es decir, feedback, o lo que es lo mismo, por el fenómeno de re-alimentación generado entre el amplificador y la guitarra. Las influencias de su sonido fueron básicamente las del Rock Norteamericano. El Rock And Roll de Bo Diddley, la Surf Music de Jan & Dean, de los Tornadoes y de los Beach Boys, el Garage Psicodélico de los 13th Floor Elevators y la Velvet Underground, el Rock And Roll de los New York Dolls, Suicide, Television y Ramones, entre otros.

'Psychocandy' llegó al puesto # 31 del chart Inglés. A pesar de los esfuerzos de Jim y William Reid por mostrar apatía e indiferencia en este album debut, 'Psychocandy' para nada pasó desapercibido. De hecho se trata de uno de los discos clave -si de influencia hablamos- en toda la historia de la música contemporánea. El Noise Pop de 'Psychocandy' como sabemos, fue un soplo de vida para mucho del sonido Británico de la segunda mitad de los años 80. Del Indie Pop al Shoegaze. 'Psychocandy' es uno de los discos fundamentales que marcó un antes y un después en la música de los 80. La generación Noise que soñó Lou Reed cuando publicó 'Metal Machine Music' en 1975 era ya una realidad.

martes, 17 de noviembre de 2015

LUSH - GALA (1990)


De hecho Lush es una de las bandas a las cuales desde siempre le he guardado especial cariño pues, tanto la música de Lush como la de Pale Saints, fue lo primero que escuché del género -aún sin nombre- Shoegazing o Shoegaze. Probablemente 4AD, sello para el cual grabaron ambas bandas, tuvo mucho que ver. Lo cierto es que representaron en su momento, un importante cambio en la propuesta del influyente sello 4AD a puertas de una nueva década. Al escucharlos, era inevitable asociarlos con Cocteau Twins, aunque Lush sonaban más enérgicos y le añadían ruido a sus melodías, como ya lo había hecho poco antes My Bloody Valentine. La base rítmica y los cambios de ésta, en algunas canciones también nos recordaba a los Throwing Muses. Por aquel entonces declararon no inventar nada nuevo, sin embargo partieron de sus influencias con una acertada combinación de texturas dando origen a nuevos matices. Su propuesta fresca y revitalizadora pronto llamaría la atención de la prensa musical. Fue así como Robin Guthrie se interesó en ellos.

Inicialmente Lush contó con la vocalista Meriel Barham dando inclusive alguna presentación con ella como voz principal, sin embargo, Meriel los abandonaría poco después para formar parte de Pale Saints.

La formación definitiva de Lush fue desde entonces Miki Berenyi (voz principal, guitarra, composición), Emma Anderson (guitarra, coros, composición), ambas lideres del cuarteto que completaba Chris Acland en batería y Steve Rippon en bajo. Esta fue la formación que grabó el Mini-LP 'Scar' (1989) y el EP 'Mad Love' (1990).

'Scar' fue grabado en los Blackwing Studios de Londres en Julio de 1989 y fue publicado en Octubre del mismo año. La producción estuvo a cargo de John Fryer y la banda. Este primer lanzamiento llegó al # 3 del UK Indie Chart y contenía seis de sus mejores canciones, entre ellas la energética ‘Baby Talk’, la sublime ‘Thoughtforms’, la apacible ‘Scarlet’, la vertiginosa ‘Second Sight’, con claras reminiscencias al My Bloody Valentine de ‘Isn’t Anything’ (1988), y cerrando este gran debut, la delicada ‘Etheriel’.

El EP 'Mad Love' (Febrero 1990) fue producido por Robin Guthrie, quien atravesaba por uno de los mejores momentos de su carrera como parte de Cocteau Twins. El resultado en 'Mad Love' fue ciertamente asombroso. Incluía uno de sus himnos, ‘De-Luxe’, una genial canción con la cual muchos conocimos a esta banda a través de sus dos video-clips para UK y USA. De hecho ‘De-Luxe’ se convirtió en su mejor canción lanzada hasta ese momento con sus cambios agresivos, contrastando con su dulce melodía, coros angelicales y con un intro / outro novedoso y sencillamente de ensueño. La provocadora ‘Leaves Me Cold’ en tanto, arrancaba de forma hiriente. El sonido de Lush en el EP ‘Mad Love’ era hasta por momentos violento y a la vez ensoñador. ‘Downer’ es otro buen ejemplo, la canción más veloz de Lush con Miki y Emma en un fantástico juego de voces, marcados efectos de guitarra y final abrupto, cerrando con una remodelada y definitiva versión de ‘Thoughtforms’. 'Mad Love' llegó al # 55 en la lista general del Reino Unido.

En Octubre de 1990 fue publicado el single 'Sweetness And Light', producido por Tim Friese-Greene, productor, co-escritor y músico de Talk Talk. 'Sweetness And Light' denotaba cierta evolución hacia un sonido algo más standard. Fue la canción de Lush de mayor éxito en USA. Llegó al # 4 del Modern Rock Tracks. En el UK Singles Chart alcanzó la posición 47. Sin duda, un gran clásico de la década de los 90 en donde apostaron por un mayor enriquecimiento en las melodías a costa de renunciar a los ritmos vertiginosos y las distorsiones algo más crudas que caracterizaron especialmente 'Mad Love'. El lado B del single incluía ‘Sunbathing’ y ‘Breeze’, esta última fue algo así como un adelanto del sonido que plasmarían en su primer álbum ‘Spooky’ (Enero 1992).

Finalmente, el album recopilatorio 'Gala' fue publicado el 13 de Noviembre de 1990. Incluía la totalidad del Mini-LP 'Scar', el 'Mad Love' EP y el 12" single 'Sweetness And Light', además de dos canciones extra, 'Hey Hey Helen', un bonito cover de Abba, y una nueva versión de 'Scarlet' con un sonido algo navideño (incluida originalmente en el sampler de Melody Maker 'Gigantic! 2').

El diseño de este genial recopilatorio encerrando la mejor época de la banda, incluía fundas interiores con acabados de lujo, pareciendo ser más portadas alternativas del disco. El creador del bonito empaque fue v23, el estudio de diseño gráfico creado por Vaughan Oliver en colaboración con Chris Bigg y Paul McMenamin. Como sabemos, este estudio mantuvo una estrecha relación con el sello 4AD entre 1988 y 1998.

domingo, 15 de noviembre de 2015

THE JESUS AND MARY CHAIN - DARKLANDS (1987)


The Jesus And Mary Chain, considerada en sus inicios la banda británica más revolucionaria desde los Sex Pistols, ganaron la atención de la prensa debido fundamentalmente a la violencia que generaban en sus shows. Y es que su hiriente sonido, recubierto por considerables capas de ruido, fue inicialmente rechazado por no pocos de sus curiosos espectadores quienes provocaban sobre ellos lluvias con latas de cerveza, escupitajos e insultos, insultos que los hermanos Reid se encargaban de responder con violencia.


Según sus propias declaraciones "ellos retomaron la actitud del Punk británico con arrogancia e irreverencia" provocando destrozos en las breves presentaciones que ofrecían, escándalos en la prensa e insultos que propinaban a los artistas impuestos por la industria, y por último, arrestos por posesión de drogas. Tal y como sucedió con otras bandas, los hermanos Reid supieron sacar provecho de los tiempos que les tocó vivir, manejando los medios a su antojo y pasando a ser cabezas de una nueva generación.


Ciertamente re-dimensionaron el Pop británico conceptualizándolo y fortaleciendo propuestas como las de Creation Records -y su revalorización a la primera era Psicodélica- con sus revivals. Combinaron la ingenuidad vocal con dulces letras y mucha frescura y espontaneidad en sus melodías, contrastando todo ello con acoples, paredes de feedback y chirridos de guitarra, propiciando el nacimiento del llamado Noise de los últimos 80.


Luego del alucinante disco debut Psychocandy (1985), los Reid replantearon su propuesta suavizándola, es más, prescindiendo de su diferenciador ruido que los encumbró apenas unos meses antes. En Agosto de 1986 el single 'Some Candy Talking' (# 13 en UK) apareció como anticipo del nuevo camino trazado por los Escoceses, con un sonido basado en la riqueza melódica con tratamientos acústicos. DARKLANDS, segundo album publicado el 31 de Agosto de 1987, fue escrito y producido por Jim y William Reid, y co-producido por Bill Price y John Loder. Darklands estuvo predominado por bellos y dulces paisajes otoñales. Se trataba de un delicado disco electro-acústico, algo sombrío y tierno a la vez. 'Happy When It Rains', 'April Skies', 'Darklands', 'Cherry Come Too' y 'About You' fueron algunos de los momentos más inspirados. Disco imprescindible.

ECHO & THE BUNNYMEN - SONGS TO LEARN & SING (1985)


'Songs To Learn & Sing' fue una de las primeras notables recopilaciones aparecidas en los años 80. El disco perfecto para introducirse en la música de esta banda de Liverpool. Muchos conocieron más de los Bunnymen gracias a esta recopilación majestuosa desde su portada, una imagen clásica y de las más entrañables de los años 80 a cargo de Anton Corbijn, repetida hasta la saciedad en camisetas y posters.

'Songs To Learn & Sing' fue el primer album de Echo & The Bunnymen que incluía las letras de las canciones -de ahí el título- y recopilaba 11 canciones, todas lanzadas como singles entre 1980 y 1985. Cabe destacar la aparición de 'The Puppet' (no incluida en albums hasta ese momento), 'Do It Clean' (single de regalo en edición limitada del album 'Crocodiles') y 'Never Stop', aparecida en el EP Echo & The Bunnymen para el mercado USA en versión extendida. En UK Sólo se editó la versión editada. La versión incluida en 'Songs To Learn & Sing' para USA es la extendida de 'Never Stop', es decir la del EP, en tanto para UK es la editada en single, detalle tal vez poco importante para algunos pues fue perdiéndose en las re-ediciones posteriores. Además incluía 'Bring On The Dancing Horses' como nueva canción y single promocional de este album recopilatorio que llegó al # 6 del UK Albums Chart. 'Songs To Learn & Sing' se vendió en edición muy limitada con un 7" single de regalo, nada menos que el primer single de 1979 para el sello Zoo con 'The Pictures On My Wall' / 'Read It In Books'. Por último, la edición cassette (la original del 15 de Noviembre de 1985) además traía dos extras: 'Pride' y 'Simple Stuff'. Este disco, en la época fue más importante de lo que podría imaginarse en la actualidad tras la salida posterior de box sets y otras recopilaciones con mayor número de tracks.

WIRE TRAIN - BETWEEN TWO WORDS (1985)


Los 80s fueron los años en los que algunos buenos discos se convertían prácticamente en clásicos instantáneos y estos clásicos no paraban, se editaban uno tras otro. Algo que no he visto con la misma frecuencia en otras décadas. En el caso de Wire Train, supe de la existencia de este grupo observando la portada del primer album 'In A Chamber' (1984) en la vitrina de Music Nice, una pequeña tienda de vinilos importados en Camino Real. De las pocas que existían en esa época. El disco estaba sellado y era un pedido, así que, imposible escucharlo. Felizmente poco después Doble Nueve programó varias. No recuerdo haberlos escuchado en otra radio en 1984.

Esta banda de San Francisco, California bien podría haber sido confundida con cualquier banda Británica de la época por el buen sonido de sus dos primeros albums. El primer album es un buen disco, como sabemos, incluye canciones notables, especialmente 'I'll Do You', 'Everything's Turning Up Down Again' y 'Chamber Of Hellos', y algunas otras también destacables como 'Love Against Me', 'She's On Fire' y 'Never'. A pesar de la calidad de ese album debut, si tuviera que elegir entre 'In A Chamber' (1984) o 'Between Two Words' (publicado el 15 de Noviembre de 1985), me quedaría con el segundo. Me parece un disco mejor elaborado, con composiciones más redondas y buenas melodías.

Wire Train fue formado en 1980 por sus dos miembros líderes, Kevin Hunter (voz, guitarra) y Kurt Kerr (guitarra, voz), ambos, compositores de la totalidad de canciones de la banda. Poco más tarde se les uniría el Suizo Anders Rundblad (bajo, voz) y el Argentino Federico Gil-Sola (batería). Esa formación fue la que grabó 'In A Chamber' (1984). Para el disco 'Between Two Words' (1985), Brian MacLeod sería el nuevo baterista. Además ingresa en la banda un personaje clave, Peter Maunu, quien se encargó de los teclados, enriqueciendo la propuesta musical de Wire Train. Maunu además participó en la grabación como guitarra adicional dándole más consistencia al sonido desde las cuerdas, y lo más importante, se hizo cargo de la producción del album. Pese a los buenos resultados y a la calidad de Wire Train, esta banda jamás rankeó ni en UK ni en USA.

'Between Two Words' incluye 'Last Perfect Thing', canción con la cual ganaron un premio local como mejor nueva banda de San Francisco en 1985, 'I Will', canción que llamó la atención de Bono (U2) quien llegó a mencionarlos en alguna entrevista. 'Skills Of Summer' seguramente fue la que mayor exposición en los medios logró. Fue la que más sonó en Lima, pero 'Between Two Words' aún tuvo más que ofrecer, como la recordada 'Love, Love', 'The Ocean' o 'God On Our Side'. Seguramente este disco acabó en el cajón de las rebajas en algunos países donde fue editado. Recuerdo que la prensa musical Española los hacía leña desde publicaciones como RDL. Wire Train fue una gran banda y el tiempo se ha encargado de hacerles justicia. Hoy por hoy es considerada como un referente de la escena Indie.

Luego de 'Between Two Words', Kurt Kerr abandonó el proyecto y vaya que se sintió su partida. Las composiciones de Wire Train nunca fueron las mismas. Peter Maunu tampoco participó en discos posteriores y la esencia del sonido de esta banda se diluyó. 'Ten Women' (1987) apenas tuvo una canción notable ('She Comes On'), alguna que otra regular y mucho relleno. En los dos últimos discos ya el sonido fue otro, comparable con el de tantas otras bandas de la movida Alternativa de los primeros años 90. Bien por los dos primeros.

JAPAN - GENTLEMEN TAKE POLAROIDS (1980)


Japan fue formado en 1974 en la escuela de Catford, al sur de Londres, por los hermanos David Alan Batt y Stephen Batt. Cambiaron sus apellidos por los de Sylvian y Jansen respectivamente. David Sylvian (voz, guitarra y teclados) y Steve Jansen (batería) se iniciaron como trío con un amigo llamado Mick Karn (bajo, saxo). Poco después, con el ingreso de Richard Barbieri (teclados) debutaron ese mismo año recorriendo los bares de Londres con un sonido e imagen influenciados por el Glam-Rock. En Enero de 1976 se unió al proyecto Rob Dean (guitarra), proporcionando al grupo mayor dureza eléctrica y fichando bajo esta formación para el sello Alemán Hansa-Ariola, el mismo que se encargó de promocionarlos como una banda de Rock, llegando incluso a ser teloneros de Blue Oyster Cult.

Los dos primeros albums, 'Adolescent Sex' (1977) y 'Obscure Alternatives' (1978), estuvieron dominados por el sonido de la guitarra, tomando elementos tanto de Rock como de Reggae. A partir del tercero, 'Quiet Life' (1979), su estilo dio un notable giro, enraizándose en la electrónica con una constante en innovación / experimentación y recurriendo a los más diversos y lejanos motivos del Folklore de Oriente. 'Quiet Life' fue la primera de sus obras mayores, en donde la personalidad del grupo entró en un proceso de crecimiento lleno de misticismo, con el sobresaliente sonido que Mick Karn le imprimía al bajo y la extraordinaria vocalización de David Sylvian, tremendamente influencial para gente como Simon Le bon (Duran Duran).

De esta manera, Japan inició sus andanzas incrementando el culto y ganando adeptos en reducidas élites de algunas capitales del mundo. Su propuesta fue etiquetada como Art-Rock. La crítica Británica, en tanto, fue dura con ellos. Sylvian fue comparado maliciosamente con Bryan Ferry por su entonación y su pasado Glam. Asimismo, a Japan se les consideró copistas de los primeros Roxy Music y las escasas entrevistas sabotearon las ventas del album, hecho que hizo perder credibilidad en su discográfica.

Virgin fue el nuevo percutor para el lanzamiento de sus innovadoras líneas instrumentales. 'Gentlemen Take Polaroids', publicado el 15 de Noviembre de 1980, se introdujo más en la electrónica, y las individualidades del grupo se ampliaron y enriquecieron. El canal que se extrajo para que funcione como single fue justamente el que dio título al album, logrando ingresar por primera vez al chart Inglés para tan sólo quedarse en el casillero 60 en Octubre de 1980. 'Gentlemen Take Polaroids' no fue un single más, fue todo un muestrario de madurez con su exquisita base rítmica e hipnótica guitarra, en donde la electrónica acariciaba la voz de un Sylvian cada vez más exigente para con su banda. Otras buenas canciones del album: 'Nightporter', 'Swing' y 'Methods Of Dance'. 'Gentlemen Take Polaroids' fue producido y mezclado por John Punter. El disco también incluye la canción 'Taking Islands In Africa' que sería la primera composición de David Sylvian y Ryuichi Sakamoto (Yellow Magic Orchestra). Años después y como dúo publicarían algunos discos. Pero lo mejor aún estaba por llegar, 1981 fue un espléndido año para Japan. El guitarrista Rob Dean abandonó la banda por aquella época para unirse a las filas de Gary Numan y se perdió el momento cumbre de Japan.